6 октября 2018

Картина «Девочка с воздушным шаром» считается одной из самых известных работ британского художника. На холсте изображена девочка, которая протягивает руку к ярко-красному воздушному шарику. Первая версия работы появилась на набережной Темзы в 2002 году. Спустя четыре года Бэнкси написал ее на холсте. Рама картины, по требованию художника, была неотъемлемой частью произведения. До сегодняшнего дня роль и значение рамы для Бэнкси были неизвестны.

В Sotheby’s заявили, что самоуничтожение картины — своеобразное послание Бэнкси, которое означает быстротечность и кратковременность человеческих эмоций в мире социальных сетей. Это первый случай в истории, когда произведение искусства самоуничтожилось, как только его продали с молотка.

Бэнкси — псевдоним уличного художника из Британии, который обрел мировую популярность. Его настоящее имя и возраст неизвестны. Рисунки художника появились в городах Великобритании в начале 90-х годов. Сейчас работы мастера с острым социальным и политическим подтекстом украшают стены во всем мире. Бэнкси также пишет картины. Анонимность не мешает ему продавать их за миллионы долларов.

Почему люди коллекционируют произведения искусства

Нефтяной миллионер Пол Гетти был невероятной скрягой. Он даже установил платный телефон в своём особняке в Суррее (Англия), чтобы удержать гостей от искушения звонить по междугородней линии. Гетти так долго отказывался платить выкуп за похищенного внука, что разочарованным похитителям пришлось выслать ухо по почте в качестве доказательства, что они не шутят. При этом Гетти тратил миллионы долларов на искусство и на строительство Музея Гетти в Лос-Анджелесе. Сам себя Гетти считал «вероятно неизлечимым артоманом», и несколько раз пытался завязать с этим хобби, но спустя некоторое время вновь возвращался к нему. Он боялся авиаперелётов и был слишком занят, чтобы доплыть из Лондона в Калифорнию, поэтому так никогда и не посетил музей, на который потратил огромные суммы.

Гетти — один из тех людей, которые шли на многое, чтобы коллекционировать творения искусства — изнурительные поиски, огромные траты, иногда даже воровство. Всё для того, чтобы удовлетворить своё страстное желание. Но что же управляло ими?

Споры о том, почему люди коллекционируют произведения искусства не утихают со времён римского оратора Квинтилиана (I век н.э.), который полагал, что те, кто восхищаются примитивными (по его мнению) творениями художника Полигнота, «желают казаться со стороны обладателями высокого вкуса». Многие до сих пор разделяют эту точку зрения античного ритора.

Другое популярное объяснение — финансовая выгода. Однако почему коллекционеры готовы идти на такие жертвы? Бесспорно, многие люди приобретают творения искусства, руководствуясь прагматичными целями. Вы можете перепродать их. Есть возможность получить крупные налоговые отчисления, если пожертвуете произведение искусства в музей. Они временами настолько огромны, что федеральное правительство наполнили тысячи награбленных предметов из древних времён, которые были ввезены незаконно на территорию США . Многие коллекционеры научились удерживать работы в своей собственности и при этом получать налоговые льготы, жертвуя их частным музеям, которые находятся в собственности самих же коллекционеров. Самый гнусный способ — некоторые мошенники приобретают продукты искусства для отмывания денег. Через границу намного проще перевезти предметы искусства, чем наличные деньги .

Но большинство настоящих коллекционеров едва заинтересованы в этом. Для них искусство превыше всего. Ими руководит создание и укрепление общественных связей, а также передача информации о себе и о мире в рамках эти новых социальных взаимодействий. Вспомните о том, как вы были ребенком, и могли подружиться с ровесником, показав ему коробку, наполненную фантиками от жевательной резинки «Турбо» (адаптация, да — ред.). Вы образовывали новое соединение в ваших социальных взаимодействиях, предоставляя какую-то конкретную информацию о себе (я люблю жевательную резину; я люблю автомобили). Коллекционер, который показывает гостям свою частную художественную коллекцию, руководствуется теми же целями — рассказывает новым друзьям о себе.

Люди, как правило, полагают, что коллекционеры всегда находятся в постоянном противостоянии друг с другом за обладание тем или иным произведением искусства. Серьёзные коллекционеры наоборот чаще говорят не об конкуренции, а о важной роли их хобби в создании и укреплении круга общения: семьи, друзей, знатоков, посетителей и коллег-коллекционеров. Причина, при которой коллекционер совершил свою первую покупку, часто связана с социальным элементом. В очень редких случаях коллекционеры объясняют своё увлечение непосредственным знакомством с художественными работами или интересом к прошлому. Коллекционер демонстрирует своим детям собранные работы, как поклонник спорта зовёт своё чадо для просмотра игры: укрепление семейных связей через общий интерес.

И даже существующие исключения подтверждают правило. Другой богатый нефтяник  — Галуст Гюльбенкян — называл сказочные коллекции произведений искусств «своими дети». Он старался игнорировать факт существования собственных детей и жил ради того, чтобы служить искусству. Утверждая, что «у моих детей должна быть своя личная жизнь» и «дом, где Гюльбенкяны смогут жить», он построил особняк в Париже и защищал его баррикадами, сторожевыми псами и частными охранными службами. На запросы музеев одолжить работы на некоторое время он категорически отказывал. Никакой речи и быть не могло о том, чтобы пустить к ним посетителей, потому что «моих детей ничего не должно тревожить». Но даже такой фанатичный коллекционер, которые предпочитает искусство людям, показывает социальную сторону своего увлечения, относясь к продуктам искусствам, как к людям. И когда Гюльбенкян умер, то передал свою коллекцию в одноименный музей в Лиссабоне в 1955 году, он проявил заботу о людях, просто не знал об этом.

Коллекционеры не только заинтересованы в создании круга общения; они также мотивированы сообщениями, которые они могут рассылать через эти социальные сети. Нам всем известно, что искусство — мощное средство для художника выразить свои мысли и чувства, но это же касается и коллекционеров. Многие из них тщательно отбирают в свою коллекцию только те работы, которые способны отразить их собственные переживания и их цели.

Очень часто это связано с личностью самого коллекционера, точнее, каким он себя видит. С самого появления искусства мы уверены, что оно не только передаёт внутренний мир его автора, но и владельца. Так же, как собственная идентификация связана с родословной, так и владение продуктами искусства связывает нас с прошлым, ассоциацией себя с великими людьми.

Вероятнее всего, первыми коллекционерами можно назвать род Атталидов. После смерти Александра Великого, один из его генералов оставил сокровище в 9000 талантов казначею Филетеру в небольшом, но хорошо защищенном городе Бергама на западном побережье северной Турции. Филетер тут же предал своего хозяина, закрыл ворота крепости и использовал сокровище для создания собственного королевства. Новая династия, известная как род Атталидов, пошла на многое, чтобы приобрести как можно больше образцов греческого искусства. Король Аттал I даже скупил целый остров — богатую Эгину. После, обчистил его города и святилища, отобрал шедевры искусства, чтобы украсить Пергам.

Атталиды окружили себя греческим искусством в надежде, что таким образом сами станут греками, а значит законными наследниками Александра Великого, несмотря на то, что предали его генерала. В то время в области Средиземного моря правили династии из бывших генералов Александра — Селевки, Антигоны и Птолемеи. Они, прикрываясь славой и величием Александра Македонского, могли оправдывать своё властвование над коренными народами. Действительно, соблюдением чистой царской крови был настолько важным ритуалом для Птолемеев, правивших Египтом, что их цари постоянно женились на своих сестрах. Клеопатра, последняя из династии Птолемеев до полного завоевания римлянами Египта, была замужем поочередно за двумя своими братьями. Также она успела «подружиться» с Юлием Цезарем и Марком Антонием, наверное, потому что она не нуждалась в коллекции произведений искусств, чтобы доказать свою политическую власть.

Множество династий и политических деятелей: от Карла Великого до Саддама Хусейна последовали примеру Атталидов и коллекционировали искусство и продукты культуры, чтобы узаконить своё право на престол и провести ассоциацию у людей с великими правителями из прошлого. В меньшем масштабе отдельные коллекционеры действуют по тому же сценарию. Например, увлечение Гетти искусством превратило его из некультурного американца в просвещенного европейца.

Гетти родился в маленьком городе и вырос в нефтяных окрестностях Великих Равнин. Он заработал свой первый миллион в Оклахоме в 1916 году, когда ему было 24 года. Будущий миллионер сразу же уволился, заявив, что отныне будет наслаждаться жизнью и скоростными автомобилями. Но калифорнийская идиллия быстро надоела Гетти, и он опять приступил к работе спустя год. Знаменитый коллекционер трудился до конца своей продолжительной жизни, постоянно путешествуя, никому не доверяя и накапливая огромное состояние. Когда он умер, то владел около 2 миллиардами долларов, которые заработал благодаря нефтяной компании Getty Oil Company.

На заре своего увлечения Гетти интересовался покупкой греческих и римских древностей. Действовал против американского духа времени. Путешественник Ральф Иззард Миддлтон из Южной Каролины лучше всех передал американское отношение к древнему искусству. После того, как он увидел Belvedere Torso в музее Ватикана, то написал своей семье, что художники просто обязаны увидеть это место, но что касается простых людей, «которые не могут и собаку слепить из куска воска (к которым можно причислить и меня), тратить время на посещение этого места посреди зимы, постоянно восклицая: «Как красиво, как красиво», при это всё время думая: «Как холодно, как холодно» — это полный абсурд». В этом же письме он возмущается, что «триумфальные арки и старые шатающиеся колонны, ветхие статуи и покрытые сажей фрески — вздор».

Отношение Миддлтона (по-видимому, разделят многие из современных туристических групп, посещающих Рим сегодня) было весьма распространено среди американцев XVIII и XIX века. Классицизм не пользовался особой популярностью в США. Может быть, потому что американцы создали нацию на убеждённости, что их страна решительно не имеет никакого отношения к Старому миру, поэтому огромные коллекции древностей казались для них нелепыми. Классические коллекции произведений искусства были связаны с европейской аристократией, особенно с английской элитой XVIII века против которой восстали американцы.

Гетти отличался от них. У него было много общего с аристократами из XVIII века. Он поставил перед собой цель понять и овладеть особенностями европейской культуры. Гетти мог нанять лучших переводчика мира, но вместо этого изучал языки самостоятельно, практикуя их в одиночку поздно ночью в номере отеля. Языки — не единственный способ, с помощью которого он пытался приобщиться к другим культурам. Как утверждает одна из его жён: «Он не то, чтобы имитировал манеры и особенности культуры, он полностью их перенимал, сливался с ними».

Гетти, прежде всего, предпочитал покупать предметы старины, ранее принадлежавшие императору Адриану или аристократии XVIII века, или, в идеале, обоим. Таким он считал Геракла Лэнсдаунов. Он купил эту скульптуру у английской благородной семьи Лэнсдаунов, которые были её владельцами с 1792 года, после того, как она была обнаружена, якобы, на месте, где находилась Вилла Адриана.

То, что статуя действительно принадлежала Адриану могло быть выдумкой торговца XVII века. Гетти был убеждён в обратном. Он хвастался, что «есть основания полагать, что эта статуя … была любимицей римского императора Адриана, который считался самым утончённым из всех древних римских императоров». Он был в восторге от мысли, что владеет «этой великолепной мраморной скульптурой, которая когда-то радовала императора Адриана и на протяжении полутора веков была гордостью Британии. Теперь же она полностью «американизировались», чтобы предстать перед всеми в Музее Гетти».

Боровский родился в Польше и провёл большую часть Второй мировой войны в Швейцарии, где ему разрешили работать неполный рабочий день в музее в Женеве. В 1943 году он открыл для себя образец ближневосточной цилиндрической печати. После этого он заинтересовался коллекционированием древностей. Боровский писал об том, что надпись на печати, «ле-Шеллум» не давала мне покоя, хотя я сомневался, что она принадлежит царю Израиля Шаллуму бен Йавэйш. Я … работал в музее в состоянии эмоциональной изоляции и глубокой депрессии, потому что уже около года мне было известно о судьбе моей семьи в Варшаве».

Семья Боровского — он был шестым из семи детей — была убиты нацистами. В произведениях искусства он как коллекционер, видит своих предков, даже если они разделены милями и веками .

Отдалившись от мира, Боровский увлёкся древностями, который напомнили ему о совершенно иных временах, когда евреи управляли мощным и страшным государством. Несмотря на то, что та самая печать (которую он позже приобрёл) на самом деле не являлся собственностью царя Израильского, это оказало влияние на его увлечение:

Я представлял, возможно, мечтал, что приобретение этой вещи [печати] даст старт духовному излечению, эффективному против ужасов тех времен [то есть, Второй мировой войны]. Как было бы замечательно, если мне удалось сформировать коллекцию произведений искусств, целью которой было бы укрепить исторические истины Библии и, тем самым, попросить людей подняться над материализмом для того, чтобы вернуться к вечным, духовным ценностям, к красоте Библии и гуманизму. Так я начал коллекционировать искусство древнего мира и Библии.

Только истинный коллекционер уверен, что сила искусства способа помочь Библии сплотить людей.

Боровский был одним из многих людей, которые после ужасов нацизма были твёрдо уверены: общество должно быть построено на новом фундаменте, чтобы гарантировать, что это вновь не повторится. Он считал, что библейская мораль и греческий гуманизм способны сделать это. Соответственно, Боровский «торжественно пообещал», что он «посвятит свою жизнь созданию мирового центра по обучению библейских культур и истории искусства». Сперва он основал Археологический фонд библейских земель в Торонто в 1976 году, а затем Музей библейских стран в Иерусалиме в 1992 году, которому он пожертвовал более 1700 предметов из своей коллекции вместе с 12 миллионами долларов на строительство. Как и Гетти, Боровский инвестировали значительные средства в послание всему миру.

Но есть и обратная сторона. Одержимость Боровского его целями была настолько сильна, что он преодолевал любые сомнения и, возможно, неоднократно нарушал закон. Он приобретал некоторые ценности непосредственно у отъявленных контрабандистов, став одним из наиболее важных участников незаконной торговли награбленных предметов старины. Боровский этого не отрицал. Жена и партнер Боровского — Батья ответила на вопросы по поводу сомнительного происхождения многих из собранных предметов старины: «Вы правы. Они украдены. Но мы их не крали и не поощряли это. Наоборот, мы собрали их со всего мира и привезли в Иерусалим. Эли — не похититель артефактов. Собрав эти древности, он спас и сохранил нашу историю и наследие».

Сегодня грабители не брезгуют ничем — от древнегреческих и римских до индейских площадок в США. И конца этому пока не видно. Недавние конфликты в Ираке, Афганистане, Египте, Сирии и Йемене формируют новые возможности для такого воровства.

Понимание того, что коллекционирование искусства — это в первую очередь социальная деятельность имеет важное значение для решения этой проблемы. Во-первых, искусство распространяется по социальным сетям.  Существуют множество возможных покупателей или площадок для ценных предметов старины. Во-вторых, эти социальные сети от искусства настолько крепки, что весьма сложно объяснить коллекционерам, что они поступают не совсем хорошо. Это означает,  по сути, что им придётся отвергнуть свою взаимосвязь с другими коллекционерами. И Гетти был чуть ли не первым и последним, кто обнаружил, что эту зависимость трудно преодолеть.

Оригинальная статья: Aeon
Автор: Эрин Томпсон

Дидро говорил: «В тот момент, когда художник думает о деньгах, он теряет чувство прекрасного». Настоящий художник должен быть бедным?

Дидро говорит так, а великий Чарли Чаплин сказал, что только деньги дали ему настоящую свободу и дали понять, что такое красота мира. Так что у каждого свои счеты с деньгами. Художник обязан постоянно думать, на что покупать краски, бронзу, содержать мастерскую. Конечно, если он думает только о наживе, только о заказах, он теряет не только чувство прекрасного, он теряет и свою душу. Деньги – это страшное искушение, и уж кому, как не россиянам, это понимать. Потому что 70 лет нам кричали о том, что человек должен быть бессеребренником, что не в деньгах счастье, слово «бизнесмен» или «деляга» считалось оскорбительным и порочащим имя советского человека. И вдруг! Случилась перестройка! Выяснилось, что миллионы так называемых советских бессеребренников, самых добрых, самых благородных, с большим удовольствием ради денег идут если не на все, то на очень многое. Выяснилось, что этот самый гуманный строй породил сотни тысяч монстров. Через каких-то 5–10 лет советский человек превратился в делягу, мафиози, убийцу. Сами знаете, как начинался бизнес… Люди вдруг озверели и до сих пор не пришли в нормальное человеческое состояние. Забыты понятия «честь», «мораль», «сострадание», «родина», «отечество» – и это самое страшное. Так что деньги, конечно, – это большой соблазн, и, увы, российский человек этого испытания не выдержал. Власть бьет себя в грудь, кричит о том, что надо бороться с воровством, с коррупцией. А коррупция не только не исчезает, она, наоборот, набирает темпы.

Вы жили во многих странах, разве на Западе нет коррупции?

Я вырос в Германии, 10 лет прожил во Франции, 30 лет прожил в Америке, сейчас снова живу во Франции, я мотался по всем странам. И, конечно, сказать, что рай на земле существует – это было бы явным преувеличением. Но я всегда вспоминаю слова Эрнста Неизвестного, когда его спросили: «Господин Неизвестный, вот вы получили звание «Почетного гражданина Швейцарии». А почему вы выбрали для жизни Америку?» Он ответил: «Рая на земле нет, но если говорить об аде, то я выбрал американский ад». Я в этом отношении полностью с ним согласен. Я сам прожил большую часть своих лет в Америке и продолжал бы там жить, если бы не рухнул «железный» занавес и я не начал работать для России. А мотаться через океан 3 раза в месяц – это очень трудно. Тем более, у меня много животных, и мы с супругой всегда страдаем, когда оставляем своих питомцев без нашего внимания. Поэтому мы живем в Европе, чтобы быть ближе к России. Но я очень скучаю по Америке. Конечно, там существуют воровство, коррупция, но не в таких чудовищных размерах, как в России, где воруют миллиардами! В этом может с нами сравниться только какая-нибудь африканская республика, где их правители держат в холодильнике тела своих подчиненных и загребают все, что только можно загрести.

У нас любят поговорить о социальной ответственности бизнеса, а как с этим на Западе?

В Америке, например, чуть ли не 40 млрд в год тратится на искусство, это все деньги меценатов. Нам до этого плыть и плыть веселой компанией. Вместо того чтобы помогать интеллигенции, помогать своей стране, бизнес вывозит деньги, купается в какой-то немыслимой, нелепой роскоши и зачастую служит карикатурой для всего мира. Купить себе 100 ошейников за 100 тыс. долларов каждый, в тот момент, когда ты прекрасно понимаешь, что эти деньги могли помочь какому-нибудь детскому дому или художественному училищу, – это безнравственно. К счастью, бывают исключения. Например, Прохоров. Что-то просыпается в их головах, что-то делается, но это в таких микроскопических размерах, что говорить о том, что будет с будущим России или будущим искусством России, – очень сложно.

Почему же западные меценаты легче расстаются со своими миллионами, чем наши?

Во-первых, потому что в России нет закона о списывании налогов за благотворительность. Это очень тормозит. Я однажды присутствовал в качестве наблюдателя на заседании Совета по культуре при президенте. Путину был задан вопрос о меценатстве, и он сразу сказал: «Это еще один повод к воровству, поэтому этот вопрос я снимаю с повестки дня». Воровать все равно не перестали. Но если бы этот закон был принят, если хотя бы 10 % уходило все-таки на искусство, музеи, художников и музыкантов – все равно это была бы колоссальная революция в плане помощи интеллигенции. Сегодня ждать какой-то поддержки от Министерства культуры, от господина Авдеева просто бессмысленно. Все разводят руками, причмокивают, скашивают глаза к кончику носа, бормочут о том, что денег нет… в этой богатейшей стране!

Это из-за отсутствия финансирования вы до сих пор не можете доснять ваш фильм по произведениям Гофмана? 

Мы уже около 7 лет работаем с Союзмультфильмом над кукольным анимационным фильмом «Гофманиада» – это история самого Гофмана. Если бы у нас были спонсоры или господдержка, мы могли бы сделать этот фильм за 1,5 года. А так в течение 7 лет государство выделяло какие-то крохи. Мы с большим трудом сделали почти 25 минут, и будем снова ждать, где-то клянчить… Директор Союзмультфильма обратился к Вексельбергу. В течение 2 месяцев его сотрудники изучали наше предложение и пришли к выводу, что престижу миллиардера это ничего не добавит. Зато он хорошо распиарился, когда купил наполовину фальшивые яйца Фаберже и привез их на время показать в Россию. Ну, что тут скажешь…

Как вы думаете, куда движется современное искусство?

К сожалению, живопись пока не может найти какого-то мощного хода, это или повторы, или же вульгарное выпендривание, которым занимаются Дубосарский и Виноградов под видом того, что они делают новую живопись или продвигают идею того, что они делают картины на заказ от примитивного человека. Поэтому появляется обнаженный Шварценеггер, Достоевский, совокупление крестьян на поле, и все это написано широкой вульгарной кистью. Но, тем не менее, при хорошем паблисити их раскрутили, и на сегодняшний день они здесь, в России, считаются чуть ли не мэтрами российской живописи! Это, конечно, все печально, это пена, которая со временем уйдет, потому что я твердо верю в какую-то особую предназначенность российских интеллектуалов. Потому что все-таки самую большую революцию в современном искусстве совершил русский авангард. Художники, которые представляли Россию в те далекие годы, от них, собственно, и пошло все современное искусство как в Америке, так и во Франции. Запад наше лучшее перенял. К сожалению, Россия перенимает только худшее. У нас не бывает золотой середины, сплошные крайности… В Америке, кстати, до сих пор существует школа реалистической живописи, абстрактной живописи, школа поисков. Справедливости ради отмечу, что в области театра россияне делают интересные вещи, проходит очень много театральных фестивалей, но то, что касается изобразительного искусства, – это, конечно, довольно печальная картина.

Вы часто бываете в Сибири…

Туда я езжу, потому что я очень верю в российскую глубинку. Допустим, молодежь глубинки и молодежь Москвы и Петербурга очень отличается. В провинции еще сохранилась какая-то чистота, стремление к чему-то доброму, желание что-то сделать. А здесь видишь какой-то чудовищный цинизм, или снобизм, такой дутый, пустой и нелепый. И винить эту молодежь невозможно, потому что ей создаются такие условия, в которых она принимает эти безобразные формы. Все подвержено торговле, пошлости, стоит только включить телевизор. Я, правда, не скажу, что американское или французское телевидение намного лучше…

Миллионеры тратят баснословные суммы на непонятное искусство, думая, что это хорошие инвестиции. Есть ли какие-то гарантии, что купленное сегодня за миллионы завтра не обесценится?

На сегодняшний день нувориши покупают не произведения искусства, они покупают определенное место в высшее общество. Взять, к примеру, украинского миллиардера Пинчука. Он сделал очень умный шаг. Он сделал первую выставку Дэ́мьена Хёрста, подружился с крестными отцами художественной мафии – самым известным в мире арт-дилером Ларри Гагосяном и самым известным коллекционером современного искусства Чарльзом Саачи. Последний пользуется услугами Гагосяна для приобретения новых работ – оба доны Корлеоне от искусства. Пинчук купил помещение, сделал Музей современного искусства. Показал украинцам разрезанные части коров, помещенные в спирт. После всего этого он сразу стал одним из ведущих коллекционеров. Сегодня вы открываете журнал по искусству: Пинчук во всей красе с крупнейшими директорами музеев в обнимку, работы из его коллекции расходятся по галереям. Идет большая игра. Из обычного нувориша он превратился в знаковую фигуру современного искусства. Эти люди не обладают большим интеллектом, да он им и не нужен. Это люди денег, люди бизнеса, люди наживы. Но когда у вас много денег, которые вы заработали на угле или на туалетной бумаге, вам же хочется попасть, что называется, в higher society. Денег много, а что толку, вас в высшее общество не пускают. А там кипит жизнь, все сильные мира сего, какие-то тусовки, а ты никто, а денег много. Таким образом эти люди покупают себе билет в высший свет.

Роман Абрамович из этой же «оперы»?

Абрамович сделал очень хороший ход, когда купил за 90 млн фунтов один из лучших триптихов Фрэнсиса Бэкона и купил Люсьена Фрейда за 35 млн фунтов, – вот здесь он не прогадал. И это меня поразило, наверно, у него какой-то советник появился или вообще он, может быть, очень умный парень. Потом было куплено или арендовано это помещение «Гараж», и его подруга становится чуть ли не законодательницей мод всея Руси Великой! Недавно открываю журнал «Арт-хроника»: Роман Абрамович с Дашей Жуковой в золотой раме, как первые властелины художественного мира. Всего их, оказывается, 50 штук. И все говорят, что да, несколько женщин сегодня творят и управляют российским искусством. Вы теперь понимаете, что значит купить, приобрести и запрыгнуть сразу на определенную социальную ступень. У этих людей так много денег, что даже если они потеряли что-то от своих вложений, это все равно, что из нашего кармана выпало 10 копеек. Это очень сложный психологический процесс и социальная лестница, которая ничего общего с искусством или художественными ценностями не имеет.
Для того чтобы по-настоящему разбираться в современном искусстве, нужно обладать определенным интеллектом, познаниями, а когда человек абсолютно беспомощен и не понимает, что хорошо, а что плохо, а хочется проникнуть в высший свет, вот его, как глупого карася, и ловят такие хитрые психологи, как Гагосян и Саачи. При этом пострадать могут не только новоявленные коллекционеры, но и сами дутые художники. Саачи одно время коллекционировал Джулиана Шнабеля, и что-то там у них разладилось, и Гагосян просто продал его работы. Как только западный художественный мир узнал об этом, карьера этого художника пошла прахом. Поэтому арт-дилер может художника открыть, а может и закрыть. Все зависит от настроения или от сексуальных аспектов, потому что много галерейщиков и художников гомосексуалистов. Тут еще имеет место и постельный вопрос.

Художественная мафия разводит только русских миллионеров?

Русские миллионеры не так много покупают, посмотрите каталоги Christie’s и Sotheby’s – десятки жутких художеств продаются за сотни миллионов. Покупают в основном западные коллекционеры. Представьте себе мультимиллионера из Техаса, он сделал свои деньги на бычьей печенке, а ему хочется тоже быть уважаемым человеком. Ему в глубине души плевать на эти картины. Он когда их покупает, в ужасе думает: «Что я делаю?!» 90 % покупателей никогда эти вещи даже не ввозят в свои дома. Есть специальные склады для хранения произведений искусств. А через 2–3 года все это снова выставляется на продажу, и человек, ничего не делая, зарабатывает на разнице несколько миллионов долларов. Ни один банк не дает таких процентов!

То есть заработать можно, но это своего рода финансовая пирамида?

Самое главное, с нее надо вовремя соскочить, пока эта пирамида не рухнет. Умные художники прекрасно понимают, что если сегодня вам надули цены, то в любой момент, например когда в мире кризис, они могут рухнуть, и это принесет вам только беду. Как эти завышенные цены принесли беду таким художникам, как Дэвид Салле, Джулиан Шнабель. В 80-е годы было такое течение «трансавангард», голод по картинам, и стали эти ребята писать громадные полотна, писали приблизительно так же безобразно, как Дубосарский и Виноградов, только еще похлеще. И через 10 лет все это течение рухнуло. Недавно было интервью с Салле, ему нечего было сказать, кроме как извиниться перед теми коллекционерами, которые на них потерпели фиаско. Такая игра в искусстве очень распространенная, серьезная, потому что речь идет о миллиардном бизнесе. В этот бизнес хотят попасть и наши вылупившиеся из яйца мультимиллиардеры… Не только из-за того, что Лондон никого не выдает, но и из-за того, что Лондон – это своеобразный снобизм. Франция всегда более демократична, Германия – буржуазна, а в Англии всегда есть свой снобизм. Всегда человек, приезжающий в Англию, чувствует себя закомплексованным, особенно новые русские. Поэтому они организовывают свои клубы, они пытаются войти в английское общество, и иногда им предоставляется такой очень дорогой билет… Наши олигархи пытались раздуть и русский рынок. Помните, картина Оскара Рабина продалась за миллион… Конечно, по сравнению с западными художниками это вообще копейки. И как только начался кризис, это все умолкло, т.е. русский рынок лопнул сразу. Потому что всего несколько богатых русских коллекционеров покупают современное русское искусство.

А почему Запад не покупает русских художников?

Они недостаточно «раскручены». А раскручивать их не хочет никто: ни богатые, ни государство. Ведь для того, чтобы создать имидж, что художник растет и цены на его картины поднимаются, – над этим работают целые корпорации, перекупают друг у друга, создают искусственный ажиотаж. Галереи сами покупают эти картины, потом они говорят: «В прошлом году картина этого художника была продана за 500 тыс., а в этом году она стоит уже 1,5 млн., и дальше по нарастающей». Человек вкладывает деньги, и вот так идет эта знаменитая игра до тех пор, пока пирамида не обрушится.

А что же «не дутые» художники? Нервно курят в сторонке?

Много людей от изобразительного искусства в полной растерянности – слишком неожиданно обрушилась на нас эта немыслимая свобода и сломала существующий порядок вещей. Ведь что было раньше: были нонконформисты, которых в Союзе подвергали гонениям, но ими интересовался Запад, дипломаты скупали их картины. И были официальные художники, которые боролись с так называемыми диссидентами от искусства и упивались благами, которые им давало государство. Их обеспечивали мастерскими, поездками за границу, по-моему, 40 рублей выделялось только на обнаженную натуру, ежегодные закупки, творческие командировки. И вдруг в один момент диссиденты перестали быть диссидентами, а официальные художники перестали быть нужны государству. И те и другие оказались в растерянности. И началась борьба за выживание. Я, например, дружил со скульптором Кербелем, это человек, который был миллионером в советское время, это талантливейший серьезный мастер. Когда я к нему приходил, он говорил: «Миша, мне стыдно признаться. Я читаю каждый день газеты, некрологи – кого из братвы подстрелили. И когда я вижу, что кого-то подстрелили, я радуюсь, потому что я знаю, что братва придет ко мне и закажет надгробный памятник». И этим занимался перед смертью один из крупнейших скульпторов России. Вот в каком положении находились официальные художники. Началась борьба, «старики» сразу были затоптаны, а из молодежи создалась группа новых искусствоведов, типа Кати Дёготь, которые стали очень продвинутые, очень западные. Как говорится, провинциальный католик – он всегда набожнее папы. Эти малообразованные и мало понимающие, что происходит в современном искусстве, стали задавать тон. И мгновенно такие художники, как я, Оскар Рабин, все те люди, которые всю жизнь служили искусству, стали очень немодными. В моде теперь Кулик, который то гавкает, то писает в углу.
Трейси Эмин, которая выиграла крупнейший, самый престижный приз Англии, приз Тернера, – она просто выставила грязный матрас, заваленный презервативами, грязными трусами, и со списком любовников, с которыми она занималась сексом. Критики так были ошеломлены этим «шедевром», что она выиграла первый приз! Сегодня ни один современный музей не может обойтись без этого грязного матраса.
Дерьмо Пьеро Мандзони продается на аукционах по 200 тыс. фунтов. А еще говорят, что дерьмо ничего не стоит. Стоит!

Вы лично как-то стараетесь повлиять на ситуацию с восприятием современного искусства?

Я занимаюсь студентами, сделал 22 программы на телеканале «Культура», издаю книги по серьезному современному искусству, и просто стараюсь выступать и говорить, что пора опомниться. Если не хотите признать, что существует мир серьезного современного искусства, то хотя бы не топчите людей, которые им занимаются. А на сегодняшний день эстетика просто изгоняется, как и мораль, красота, – я не имею в виду пошлую красоту, которой занимаются Шилов или г-н Глазунов. От них веет какой-то кладбищенской вонью, они стали какими-то сюрреалистическими.

Талантливому художнику сейчас трудно пробиться без денег, спонсоров?

Очень сложно. Например, есть замечательный архитектор Чернышев, сын знаменитого архитектора, авангардиста, фантаста Чернышева. Он (сын) сделал уникальное здание (помог ему в этом Лужков) для детей, больных аутизмом. Это здание с искривленными стенами, окнами, которые помогают аутистам овладеть этим пространством, потому что аутисты – очень замкнутые дети. Но я знаю, что этот архитектор получает очень мало. В тот момент, когда Москва просто зарастает какими-то немыслимыми гранитными тортами. Это уродливо до слез. А талантливые архитекторы – они, конечно, опять отодвинуты. То же самое происходит и с художниками. Есть галерея «Марс», не знаю, сейчас она существует или нет, там работает Евгений Шульженко, он работает много с чикагской галереей Майей Польски. Замечательный художник, который показывает другую Россию. Но вы много слышали о нем? Нет! А у него изданы великолепные каталоги. Знаете, раньше мы боролись с Союзом художников, но сегодня на смену ему пришли так называемые «представители новейших течений», которые стали очень большими снобами. Они чужих не пускают, они устраивают при помощи своих кураторов выставки только для своих. А серьезные художники сегодня просто задвинуты в угол. Оказалось, что эта банда новоиспеченная стала куда страшнее для серьезных художников, нежели грозный Союз художников. Абсурд! Но довольно любопытно.

Огорчаться или радоваться богатым родителям, если их чадо вдруг решит стать художником?

Обычно в детях, которые вырастают в обеспеченных семьях, нарушено стремление что-то познать, что-то открыть, потому что им все легко дается. Хочешь дорогую книгу – тебе ее купят, хочешь в Оксфорд – пожалуйста. Нет желания за что-то бороться. Поэтому часто дети богатых родителей садятся на наркотики. Конечно, чаще всего это происходит с беднотой и с детьми богатых. Бедные дети – от отчаяния, богатые – от пресыщенности и избалованности. Самое лучшее – это золотая середина. Когда ребенок не избалован, но и не живет в ужасных условиях, в которых живет половина детей России. Мне в свое время приходилось много работать на самых черных и грязных работах, но это помогало выковать свой характер. Я мог быть продажным художником, но я предпочел работать 5 лет на улице, убирать мусор на городской помойке, а ночью писать картины, для того, чтобы быть свободным.

Публикация с сайта: millionaire.ru

Загадка древнейшей истории: 

Почему египтяне изображали всех людей плоскими и только в профиль

Древние египтяне хорошо известны их феноменальными архитектурными постройками, произведениями искусства и большим пантеоном экзотических богов. Вера в загробную жизнь и все аспекты ее проявления и сделали египтян знаменитыми на весь мир. При просмотре множества художественных произведений тех лет можно заметить, что все люди и боги изображены в профиль (сбоку). На рисунках не применяется перспектива, нет «глубины» изображения. Для чего же применялся такой стиль, читайте в данном обзоре.

Писать реалистичные картины в Египте умели. Самый известный пример античной живописи – фаюмские портреты I-III веков н.э. Многие историки и искусствоведы ломают копья над вопросами искусственного примитивизма египетской живописи. И у них есть интересные объяснения.

1. В то время еще не изобрели «трехмерность» изображения

Все рисунки Древнего Египта сделаны «плоскими», но с мелкими деталями. Возможно, большинство художников было просто не способно к созданию сложных композиций с людьми в реалистичных позах. Поэтому приняли типовые каноны: головы и ноги всех людей и богов изображены в профиль. Плечи, наоборот, развернуты прямо. Руки сидящих всегда покоятся на коленях.

2. Умышленное упрощение как социальный аспект

Египтяне изобрели отличный способ избавиться от третьего измерения и использовали это для представления социальной роли изображенных людей. Как представляли в те годы, на картине не могли быть рядом изображены фараон, бог и простой человек, ведь это возвеличивало последнего. Поэтому все фигуры делали разного размера: фараоны — самые крупные, сановники – меньше, рабочие и рабы – самые мелкие. Но тогда, реалистично рисуя двух человек разного статуса рядом, один из них выглядел бы ребенком. Лучше уж изображать людей схематично.

3. Религиозная версия

Согласно еще одной версии, египтяне умышленно делали рисунки людей двухмерными, «плоскими». Особенно это заметно на картинах, где присутствуют животные. Их древние мастера красочно выписывали, придавая реалистичные и элегантные позы.

Древние египтяне с их поклонением загробной жизни считали, что душа человека может путешествовать. А поскольку рисунки в основном выполнялись в гробницах и усыпальницах, то они могли бы «оживить» трехмерное живописное изображение умершего человека. Во избежание этого фигуры людей рисовали плоскими и в профиль. Так человеческое лицо более выразительно и его проще изобразить похожим.

Дабы не оживить рисунок, иудеи вообще не изображают людей. Хотя известный российский художник-авангардист Марк Шагал рисовал фигуры с искаженными пропорциями и в цветах, словно во сне.

Источник: www.kulturologia.ru

Фигура Яёи Кусамы появится в Музее восковых фигур Мадам Тюссо в Гонконге

Тематическую зону оформила сама художница.

9 сентября – 30 октября 2016 года

Национальный исторический музей

г. Минск, ул.Карла Маркса, 12

Зрителям знакомы фото-проекты Екатерины – «Частная коллекция», «Родня», «Ассоциации», «Мужчина и женщина», «Театр одного актера», «Сказки», «Реинкарнация» и др., — которые в течение многих лет публиковались в журналах «Караван историй» и «Коллекция караван историй».

Профессионализм Екатерины проявляется в каждом фотопортрете — уникальный грим, стилизованное облачение героев и техника обработки фотографий тем не менее не делают героев неузнаваемыми. Мы видим знакомые современные лица, так умело «вписанные» в антураж других эпох, что сходство с прототипами иногда доходит до полной идентичности. Звезды доверяют Екатерине – перед ее объективом они готовы выходить за рамки привычных амплуа, даже быть смешными и нелепыми, а иногда и не очень привлекательными, но безусловно интересными для зрителя.

Экспозиция предусматривает отсылку к первоисточникам — каждый стилизованный портрет сопровождается репродукцией оригинала.

Автор присутствует на официальной церемонии открытии выставки 8-го сентября.

Об авторе:

Екатерина Рождественская, дочь знаменитого поэта Роберта Рождественского и литературного критика Аллы Киреевой, — публичная персона с интереснейшей биографией. Закончила МГИМО по специальности «международные отношения». Сегодня она  журналист, переводчик с английского и французского языков, художник-модельер, и в целом яркая личность,  обладающая множеством талантов.

Глубокие энциклопедические знания, высокую культуру и большой профессиональный опыт она воплотила в работах, в основе которых лежат шедевры мировой живописи,  литературы, кинематографа.  Благодаря Екатерине Рождественской полотна великих мастеров словно получают второе рождение и становятся популярными. Участие в этом проекте наших современников — представителей культуры, , спорта — позволяет установить связь с прошлыми веками и по-новому взглянуть на хрестоматийные шедевры. Николай Басков смотрит с авторской фоторепродукции Екатерины Рождественской «Автопортрета» Гетце (живописный оригинал 1702 года хранится в галерее Уффици, Флоренция), София Ротару представлена в образе «Молящейся Девы Марии» с картины Сассоферрато 1640 года (Национальная галерея Лондона),  в образе «Демона» кистей Врубеля предстает Николай Цискаридзе.   Сложно узнать  Ивана Урганта в «Парижской куртизанке». Кобзон, Ширвиндт, Киркоров, Расторгуев, Зельдин, Дунаевский, Бабкина, Пьеха, Аросьева, Вайкуле, Жасмин… И даже если Вы не являетесь поклонником этих артистов, то их образы в работах Екатерины Рождественской у Вас все же  вызовут восхищение.

Яркие и насыщенные цвета, множество утонченных деталей, высококачественная печать определенно порадуют глаза зрителей, создадут прекрасное настроение, а, возможно, и подвигнут на создание своих собственных шедевров.

Екатерина всегда готова к сотрудничеству – она с удовольствием выполняет индивидуальные заказы, создает великолепные образы не только знаменитостей, но и всех, кто желает иметь портрет ее работы.

Организаторы проекта:

Наталья Янковская, искусствовед

Елена Будинайте, предприниматель

Ранее стало известно, что научные сотрудники Третьяковской галереи почти расшифровали надпись на картине, которую, по их мнению, сделал сам Малевич. Как они считают, там написана фраза «Битва негров в темной пещере», отсылающая к картине французского художника Альфонса Алле 1882 года, представляющей собой черный прямоугольник.

Кроме того, исследователи проанализировали нижележащий слой изображения. О том, что под знаменитой картиной есть некая цветная композиция, было известно давно, однако в Третьяковской галерее установили, что предыдущих работ на самом деле две.

Как сообщила каналу «Культура» одна из авторов исследования Екатерина Воронина, изначально Малевич нарисовал кубофутуристическую композицию, а поверх нее — протосупрематическую. Ее цвета можно видеть в кракелюрах, то есть трещинах в краске.

По словам директора Третьяковской галереи Зельфиры Трегуловой, вскоре поступит в продажу изданная музеем книга, посвященная «Черному квадрату» и исследованиям о нем.

«Черный квадрат» был написан 100 лет назад — в 1915 году — и впервые показан на инициированной художником Иваном Пуни выставке «0,10», где супрематизм был представлен как новое направление в искусстве.

О значении новых открытий с Андреем Сарабьяновым беседовала Ольга Слободчикова.

«Новые страницы»

Би-би-си: Как стоит воспринимать то, что на холсте обнаружили надпись, предположительно отсылающую к картине Альфонса Алле?

Андрей Сарабьянов: Я думаю, что это просто еще какие-то новые данные к вопросу о том, как возникла данная картина. Это нисколько, на мой взгляд, не меняет глобального отношения к этому произведению и не уменьшает его значения для русского авангарда и вообще мирового современного искусства. Наоборот, это приоткрывает истоки, дает новое понимание того, как возникла эта картина. Вот так я могу это сконцентрированно объяснить.

Image copyrightRIA Novosti

Би-би-си: Могла ли эта надпись быть каким-то диалогом Малевича с Альфонсом Алле или, может быть, своего рода шуткой?

А.С.: Конечно, произведение самого Альфонса Алле — это некая шутка. Что касается этой надписи, то я вообще не уверен, что Малевич непосредственно видел и знал эту картину Альфонса Алле. Может быть, он услышал о ней от кого-то из своих друзей, тем более есть некоторые косвенные данные о том, что о ней знал Ларионов в 1910 году. Малевич в те годы, в частности в 10-м году, общался с Ларионовым и, может быть, мог что-то о ней услышать. Вряд ли он мог ее увидеть, потому что я не уверен, что она тогда вообще была опубликована, во всяком случае, я о таких публикациях не знаю ничего. Может быть, во Франции она была напечатана в какой-то газете или в журнале, но это же были 80-е годы XIX века, и вряд ли она была воспроизведена где-нибудь в приличном качестве. Во всяком случае, в русской прессе она не публиковалась. Поэтому, может быть, Малевич слышал о ней от Ларионова, но не видел ее. То, что она возникла как некий ответ этому французскому художнику, — может быть, но тут пока недостаточно сведений. В любом случае, это нисколько не умаляет ее как великое произведение — наоборот, открывает какие-то новые страницы.

Би-би-си: Как можно объяснить наличие изображений под верхним слоем «Черного квадрата»? Насколько я понимаю, на протяжении истории художники рисовали одну картину поверх другой, когда не было нового холста, например.

А.С.: Конечно, это далеко не единичный случай. Это было не только в практике Малевича и вообще авангардистов, но в те годы особенно часто так делали. Это связано с тем, что просто иногда не было возможности купить холст, краску. Или же холст мог быть, но у художника возникали идеи, которые ему хотелось воплотить в данный момент. Тогда художник брал ту картину, которая ему в наименьшей степени была дорога или казалась неудачной.

Возможно, у Малевича не было чистого холста. Или можно просто представить себе обстоятельства, в которых писалась эта картина: если он делал ее под каким-то впечатлением или [руководствовался] непосредственным желанием ее в данный момент написать, он хватал все что угодно, что было под рукой. Тем более Малевич вообще довольно тщательно относился к написанию картин, и если бы он взял новый холст, его сначала надо было бы загрунтовать, дождаться, когда он высохнет — это тоже довольно долгая история. А тут он имел уже высохший холст, на котором был грунт со слоем краски, и по нему можно было сразу писать новую композицию. Это был хороший холст с двумя слоями краски, и это гарантировало ему сохранность, долговечность. Но с черной краской довольно часто так бывает, что она покрывается кракелюрами, и под ней вылезли эти цветные изображения.

«Малевич нуждается в разъяснениях»

Би-би-си: Почему, по вашему мнению, изображения под верхним слоем картины проанализировали только сейчас?

А.С.: Этот вопрос, я думаю, к Третьяковской галерее. Возможно, в связи со 100-летием этой картины появился интерес, и сделали такое комплексное исследование этой работы. Вообще то, что под «Черным квадратом» была композиция, было всем известно давно, потому что она видна даже невооруженным глазом. Когда вы подходите к картине, вы видите какие-то разноцветные фоны, просвечивающие через кракелюры, и это говорит о том, что там есть некая композиция. Но то, что их там две, — это только больший интерес вызывает. Столетие — это, несомненно, серьезный этап, и о «квадрате», и о самом Малевиче сейчас очень много говорят — гораздо больше, чем раньше.

Image copyrightAFP

Би-би-си: При этом можно довольно часто слышать заявления, в том числе от весьма авторитетных в обществе людей, которые отрицаютзначение «Черного квадрата» как некого достижения в искусстве. Например, патриарх Кирилл говорил, что «черный и страшный квадрат — подлинное отражение того, что в душе этого Малевича было», что эта картина — свидетельство деградации общества, все равно что сравнивать храм с пятиэтажкой. Не становится ли такая позиция более популярной?

А.С.: Я не думаю, что негативного отношения к Малевичу стало больше. Я думаю, его столько же, сколько и было. Малевич и «Черный квадрат» в частности – это такой камень преткновения для многих людей, которые не профессионалы в области искусства, да и для самих художников тоже: для них это, кстати, действительно даже больший камень преткновения. Чтобы понять суть этого явления, надо понять теорию, которую создал и развивал Малевич. Это вообще качество нового искусства, искусства XX века, что необходимо иметь какой-то эстетический опыт, знание, чтобы понимать его. Это не то, что было раньше: какой-нибудь прекрасный пейзжаж XIX века или жанровая сцена, которая и так понятна любому зрителю. Малевич любому зрителю не понятен, он требует разъяснений. Поэтому, чем больше будет разъяснений, тем больше будет людей, его понимающих. Чем меньше разъяснений – тем больше людей, которые так говорят: мол, я и сам могу так нарисовать.

Би-би-си: Те, кто изучал искусство только на школьном уровне, вероятно, не получают достаточного запаса знаний, контекста, чтобы понимать авангард.

А.С.: На школьном уровне — нет, конечно. Это обидно, но это так. Требуется объяснение в том возрасте, в котором люди уже что-то соображают, то есть в последних классах можно было бы вполне, мне кажется, объяснять современное искусство. Но пока в России этого нет, к сожалению.

Би-би-си: В Третьяковской галерее на Крымском валу, где находится картина, как правило, бывает меньше посетителей, чем в историческом здании, где находятся произведения художников предыдущих веков.Понятно, что большой интерес к русскому авангарду всегда исходил с Запада, но меняется ли, на ваш взгляд, отношение к искусству XX века у россиян?

А.С.: Несомненно, меняется. Особенно сейчас, я думаю, количество посетителей сильно увеличится. Третьяковка правильно сделала, что обнародовала все сведения о «квадрате», тем самым она привлечет новые потоки зрителей. Ну а во-вторых, то, что на Крымском валу мало посетителей — это связано не с тем, что русское искусство XX века не популярно. Расположение этого здания, к сожалению, таково, что к нему надо специально ехать. К старой Третьяковке можно подойти, просто гуляя по старой Москве, а тут какое-то место прямо заколдованное, надо целенаправленно ехать с задачей посмотреть русскую живопись XX века. Сейчас Третьяковка принимает шаги, чтобы это место стало более популярным (Зельфира Трегулова после вступления на пост директора галереи заявила, что развитие здания на Крымском валу — ее приоритет — прим. Би-би-си). Я надеюсь, так и будет.

ВВС

«В повседневной жизни любовь можно выражать по-разному, но нужно помнить, что в мире искусства любовь всегда выражается деньгами».

Алан Бамбергер

  В апреле 2012 года я предпринял попытку рассмотреть деятельность художника с коммерческой точки зрения. В результате получились две статьи из серии «Деньги для художника». Изложенные в них выводы, основывались, главным образом, на собственном опыте, а так же на опыте моих коллег и друзей, занимающихся творческой деятельностью.Какие-то вопросы, касающиеся раскрутки художника в современных российских условиях, я затронул лишь отчасти, другие не затронул вовсе. Тем не менее, мне стало интересно, как эта проблема выглядит и с другой стороны, а именно — со стороны опытного профессионального арт-дилера, работающего с крупнейшими галереями США. Речь идет об известном американском арт-консультанте Алане Бамбергере (Alan Bamberger), высказывание которого я вынес под заголовок. Приведенный ниже материал основан на нескольких тематических статьях, опубликованных на персональном сайте Алана, и заключен в форму условного интервью с «начинающим художником». Текст перевел с английского СергейКиреев, пунктуация и орфография частично отредактированы мной. Итак, размышления Алана Бамбергера:

Как найти агента, который бы представлял мои работы?

«Агент художника» – это, по большому счету, не более чем миф. Собственно говоря, именно арт-дилеры и художественные галереи выполняют функции агента и являются представителями художника и именно к ним нужно обращаться. Очень немногие художники пользуются услугами тех, кого можно было бы назвать агентами, представителями или скорее даже менеджерами. Однако речь идет только о достигших известности художниках, которые могут себе позволить нанять профессионала, поддерживающего внешние контакты с дилерами, галереями, музеями и покупателями.

Я регулярно рассылаю свои работы по галереям, но никто не проявляет к ним никакого интереса. Что я делаю не так?

Если вы обращаетесь к тем, кого вы не знаете и кто не знает вас и не знаком с вашим искусством, то у вас очень мало шансов на успех. Шансы не очень велики и в том случае, если вы пытаетесь обратить на себя внимание крупных галерей, будучи еще неизвестным художником даже на региональном уровне. Для начала нужно создать себе имя там, где вы живете и работаете, необходимо искать контакты с теми галереями, которые подходят вам тематически, уметь объяснить, почему именно вы и ваши работы им нужны.

Я пишу картины уже несколько лет, участвовал в нескольких групповых выставках, организованных местными галереями. Не пришло ли время обратиться в крупные галереи и попытаться провести персональную выставку?

Попытайтесь честно ответить на мой вопрос. Вот если вы в составе группы играете по вечерам в местных барах и клубах, вы станете обращаться в Мэдисон Сквер Гарден с предложением об организации собственного концерта? Мир искусства устроен так же, как и весь остальной мир. Вы поднимаетесь вверх, ступень за ступенью, а не перепрыгиваете через целые пролеты.

Стоит ли тратить деньги на выпуск цифровых репродукций (ограниченный тираж) своих работ?

Только в том случае, если ваше имя широко известно, а спрос на ваши работы так велик, что вы не успеваете его удовлетворять, продавая оригиналы. Или если ваши оригиналы настолько дороги, что покупатели не могут их себе позволить. Главным образом, репродукции покупают из-за имени, а художественная ценность репродукций всегда вторична. Люди читали о художнике, они слышали о нем, у всех друзей он есть, значит, и у меня должен быть. Это и есть список причин, побуждающих желание купить репродукцию. Кроме этого, рассматривая вопрос о выпуске репродукций, имейте в виду, что при наличии на рынке оригиналов ваших работ, вы начинаете конкурировать с самим собой. Обыватель всегда предпочитает более дешевый товар.

Стоит ли тратить деньги на вэб-сайт?

Стоит, но не следует тратить на интернет-страничку слишком много денег (при условии , что вы не страдаете от их переизбытка, конечно). Кроме того, если ваше имя еще не слишком известно, не рассчитывайте на скорое начало интернет-продаж. Проблема с привлечением трафика на новый сайт заключается в том, что люди еще не знают о вас и никто вас не ищет в интернете, ну или таких людей еще слишком мало. Поэтому лучше всего сделать простой, недорогой сайт и сочетать онлайн продвижение с традиционными формами, такими как личное общение с интересующими вас людьми. Хороший вэб-сайт для начинающего художника должен включать в себя пару слов о себе и своем искусстве, краткую биографию, резюме, фотографии ваших работ с ценами и контактную информацию. Ну и конечно, на вашем сайте не должно быть никакой ерунды, вроде флэш-анимации, музыки, мигающих каракатиц из серии «поймай меня». Когда я обращаюсь к сайту художника, мне меньше всего нужны пытки, созданные изобретательным вэб-дизайнером. Я хочу познакомиться с художником и видеть его творчество. Ни больше и ни меньше.

Стоит ли платить за возможность выставлять свои работы на известных тематических вэб-сайтах?

Возможно, только не платите много. Существует пара крупных сайтов, предлагающих бесплатное размещение. С них и начните. Остальные арт-сайты создаются для зарабатывания денег. И зарабатывают на них те, кто ими владеет, а не художники, пользующиеся услугами таких сайтов. Художники платят за размещение работ на сайте независимо от того, продаются их работы или нет. Таким образом, владельцы сайтов всегда в выигрыше. Счет: один-ноль в пользу сайта. Конечно, лучшие из таких сайтов хорошо продают работы художников, но кому принадлежат эти работы, владельцев сайта совершенно не беспокоит. Так, любому потенциальному покупателю, пришедшему на вашу страницу, незамедлительно будет предложено что-нибудь похожее на то, что делаете вы. Больших оснований оставаться на вашей странице у покупателя нет, и шанс, что он уйдет с вашей странички без покупки повышается. Это уже два-ноль в пользу сайта. Теперь учтите, что крупные арт-сайты представляют работы многих сотен художников, поэтому вероятность того, что кто-то обратит внимание именно на вас, не больше, чем выиграть джек-пот в Лас-Вегасе. Общий счет: три-ноль, не в пользу художника. Шансы будут значительно выше, если сайт согласится регулярно продвигать именно ваши работы, но, поскольку вы одни из многих сотен, то вам вряд ли стоит на это рассчитывать.

Имеет ли смысл арендовать выставочные площади в галереях, предлагающих такие услуги?

Все зависит от конкретной галереи. Есть галереи, расположенные к художникам, их цены невысоки, они предлагают полезные сопутствующие услуги, которые обеспечивают художнику необходимые контакты. Другие, напротив, чрезмерно дороги, преследуют только собственные интересы, их обещания щедры, но почти никогда не выполняются. Лучший способ понять, что собой представляет та или иная галерея — поговорить с художниками, которые пользовались или пользуются ее услугами. И сделать это ДО ТОГО, как вы заплатите за предоставляемые услуги.

Время от времени я получаю предложения разместить работы в каталогах и справочниках современных художников. Как утверждается, эти издания имеют многотысячные тиражи и распространяются на национальном и международном уровнях. Подача заявления на участие в каталоге обычно бесплатна, либо имеет символическую цену. Однако в случае подтверждения вашего участия в каталоге стоимость услуги резко возрастает, иногда до нескольких тысяч долларов. За эти деньги в справочнике разместят максимум двухстраничное эссе о творчестве и выделят место для несколько иллюстраций. Стоит ли принимать подобные предложения или нет?

Нет. Авторитетные, заслуживающие доверия справочники и каталоги, такие как «Кто есть кто в американском искусстве» («Marquis Who’s Who in American Art») или «Новая американская живопись» («New American Paintings Open Studio Press») не требуют денег за размещение информации на своих страницах. Однако вашу кандидатуру должны одобрить, и справедливости ради нужно отметить, что добиться этого ох как не просто. («Новая американская живопись» берет небольшой номинальный взнос, «Кто есть кто в американском искусстве» — абсолютно бесплатный). Те справочники и каталоги, которые требуют больших сумм за размещение информации, как правило, имеют многократно завышенные цены, и эти издания плохо распространяются. Это билет в одну сторону. Такие каталоги не имеют реального веса в мире искусства. Они хороши лишь для удовлетворения собственного тщеславия. Любой, направивший запрос в такой справочник, будет гарантированно принят. Почему? Да потому, что такие издания существуют только за счет тех тысяч и тысяч долларов, которые им соглашаются заплатить наивные художники. Так какой же смысл отказывать желающим? Правильно — никакого. А после включения информации о вас в такой справочник — какой смысл заниматься его распространением? Опять правильно — никакого. Вы ведь уже заплатили. Ко всему сказанному следует добавить, что за те суммы, которые требуют такие справочники, вы можете купить разворот в популярном глянцевом журнале по искусству, или оплатить создание очень добротного профессионального вэб-сайта.

Можете ли вы дать мне список галерей, агентов или коллекционеров, которых может заинтересовать мое творчество?

Идея, что кто-то, имеющий маломальский вес в мире искусства, начнет делиться информацией и контактами с совершенно незнакомым человеком – просто абсурдна. Начнем с того, что человек, к которому вы обращаетесь с подобной просьбой, не имеет ни малейшего представления о том, кто вы такой, что вы за человек, какой вы художник, на что вы способны и можно ли с вами работать. В мире искусства рекомендуют только тех художников, которых знают лично, и только тем дилерам или галеристам, с которыми, опять же, лично знакомы. Отношения в мире искусства строятся на доверии и личных знакомствах. Основа таких связей строится на долгосрочных и взаимовыгодных отношениях, нарабатываемых годами. Никто и никогда не станет рисковать своим авторитетом, раздавая контакты и списки имен незнакомым художникам. Рекомендации дают только, когда на это есть причины, и с совершенно определенными намерениями, когда предполагается вполне определенный сценарий развития событий, выгодный, в том числе, и рекомендующему. Рекомендации дают всегда и только, людям, которых хорошо знают.

Мои работы всем нравятся. Почему же они не продаются?

Тут все зависит от того, кого именно вы имеете ввиду под словом «все». Если это друзья и члены вашей семьи, то им скорее всего нравится все, что вы делаете (ну а если и не нравится, они никогда не признаются в этом). Попробуйте провести такой эксперимент: когда в следующий раз «все» станут хвалить ваше искусство, спросите их, какую конкретно из ваших работ они хотели бы купить, и сколько готовы за нее заплатить. В повседневной жизни любовь можно выражать по-разному, но нужно помнить, что в мире искусства любовь всегда выражается деньгами.

Стоит ли покупать список электронных адресов галерей и регулярно рассылать по этим адресам информацию о моем творчестве?

Это абсолютно пустая трата денег, и откровенный арт-спам. Вы ведь не знаете, кто составлял этот список, по какому принципу, какова тематика и направленность включенных в него галерей, подходит ли, хотя бы отдаленно, им ваш стиль и все что вы делаете и т. д. Станете ли вы подходить к каждому незнакомцу на улице с предложением купить вашу работу? А ведь это именно то, что вы собираетесь делать, покупая список электронных адресов. Ежедневно галереи получают десятки писем похожего содержания. Почему вы думаете, что галерейщик, выбрасывающий в корзину всю эту корреспонденцию, сделает исключение именно для вашего письма?

Я сделал пожертвование для благотворительного аукциона и моя работа была продана за хорошие деньги. Я поднял цены на остальные свои работы, но теперь ничего не могу продать. Что происходит?

На благотворительных аукционах люди отдают деньги на благотворительность, а покупка вашей работы является сопутствующим действием. Поэтому цены на благотворительных аукционах не имеют никакого отношения к реальной стоимости художественных работ — они могут быть как очень высоки, так и неоправданно низки. Большинство участников приходят на благотворительный аукцион, чтобы сделать пожертвование и людям безразлично, что конкретно станет поводом. В этой ситуации ваша работа всего лишь сувенир, который они уносят с акции.

Я предпочитаю, чтоб мое искусство само говорило за себя. Разве я не прав?

Может вы и правы, но только лишь в том случае, если создаете говорящие произведения искусства. Во всех остальных случаях говорить (или писать) придется вам самим. Это необходимо, для того, чтоб люди могли лучше понять и оценить то, что вы делаете. Здесь подойдет сравнение с театром. Представьте себе постановку, сыгранную на пустой сцене актерами, одетыми в современную городскую одежду, и ту же пьесу, с актерами в костюмах, соответствующих эпохе, среди красочных декораций. Согласитесь, что глубина восприятия будет разной, хотя текст пьесы тот же.

Следует ли мне описывать мое творчество, пользуясь терминологией принятой в искусствоведении, отмечая при этом его принадлежность к тому или иному стилю и направлению в искусстве?

Не всегда. Это оправдано лишь в тех редких случаях, когда собеседник разбирается в истории искусства. Большинство же людей недостаточно осведомлены в таких вопросах. Кроме того, те, кто разбирается в искусствоведении, не нуждаются в дополнительных пояснениях и могут самостоятельно сделать нужные выводы. Главным образом, люди хотят услышать вашу историю. Почему вы посвятили жизнь творчеству, как вы пришли к идее самовыражения через искусство, как вы работаете, что вы чувствуете, что вы пытаетесь донести до окружающих посредством вашего искусства? Простая история вашего пути – вот что интересует публику. Поэтому экскурс в историю искусства в большинстве случаев неуместен.

Уместно ли упоминание имен художников, повлиявших на становление моего творчества?

Нет. Если вы, например, отметите, что на вас оказал влияние Уорхол, то внимание незамедлительно переключится с вас на Уорхола. Упоминание известных имен неизбежно приводит к сравнению. Проблема в том, что чаще всего это сравнение бывает не в вашу пользу. Поэтому старайтесь фокусировать внимание на себе, и пусть критики сами подбирают сравнения — это их работа.

Мои преподаватели утверждают, что для художника единственным способом преуспеть является девиз: «идти вперед и создавать искусство!». Так ли это на самом деле так?

Профессора, которые забивают головы студентам такой бессмыслицей, на самом деле должны быть честнее со своими студентами и говорить им правду. А правда в том, что профессора не знают, как преуспеть, потому что их этому никто не научил, и если бы они знали, то, вне всяких сомнений, многие из них не стали бы преподавать в учебных заведениях. Я не нападаю на преподавателей. Нам очень нужна эта уважаемая профессия. Я лишь хочу сказать, что даже профессору не зазорно признать, что на свете есть что-то, чего он не знает. И это лучше, чем напыщенно призывать всех подряд «двигаться вперед». Художник может довольно быстро занять свою нишу на рынке художественных произведений, а может всю жизнь беспомощно барахтаться, не понимая его законов. Очень многие художники могли бы избежать многочисленных ошибок, если бы имели хотя бы самые общие представления о том, как этот рынок функционирует. В момент, когда художник выпускает свою работу за пределы мастерской, у работы начинается путь, который проходит любой другой товар на рынке и путь этот мало чем отличается от пути, по которому идут все товары. Превратить свою работу в товар и суметь продать этот товар очень важно для художника, который собирается существовать на свои заработки. Будем надеяться, что в художественных школах начнут изучать вопросы взаимодействия искусства и денег. И тогда выпускники этих школ будут лучше подготовлены к рыночной реальности.

Мне бы хотелось, чтоб на моем вэб-сайте было представлено как можно больше разных направлений, в которых я работаю. Мне кажется, это повысит шансы понравиться потенциальному покупателю. Ведь тогда, каждый найдет на моем сайте что-нибудь по душе. Разве не так?

Отвечу вопросом на ваш вопрос. Вы когда-нибудь видели на персональных выставках в престижных галереях разнообразие стилей или направлений? В галереях и на выставках все работы взаимосвязаны, и чаще всего — это вариации на одну и ту же тему, они объединены либо общей идеей, либо замыслом художника, либо тем, как они расположены или оформлены. Когда же вы загромождаете разнообразием стилей и техник свой вэб-сайт, вы попросту сбиваете людей с толку . Они не могут понять, в чем основа вашего творчества, что вы хотите сказать, куда движетесь. А люди, сбитые с толку, обычно не покупают картин. Это все равно, что зайти в магазин и увидеть, что там на одном и том же прилавке продаются бананы, дамские сумочки, моторное масло и товары для домашних животных. Увидев такое, вы скорее всего, развернетесь и выйдете из такого магазина.

Стоит ли мне размещать на сайте выборку работ, созданных в ходе всей моей художественной карьеры?

Это зависит от того, какую цель вы преследуете. Если вэб-сайт задуман как ретроспектива вашего творчества, тогда да. Но если задача сайта – продать как можно больше работ, или способствовать участию работ в выставках — тогда лучше сосредоточиться только на том, над чем вы работаете сейчас. Если вы все-таки хотите разместить некоторые из своих старых работ, то выбирайте те из них, которые органично сочетаются с вашими текущими работами, с теми, над которыми вы работаете в настоящее время, и обязательно отделите их друг от друга. Чем заметнее разница между старым и новым, тем аккуратнее нужно принимать решение. И еще, ведь вряд ли вам хочется привлечь потенциального покупателя к тому, чем вы уже не занимаетесь. И, пожалуйста, никогда не размещайте на вэб-сайте буквально все, что было когда-либо вами сделано, начиная чуть ли не с двухлетнего возраста!

Стоит ли выставлять на вэб-сайт уже проданные работы, чтоб подчеркнуть, как хорошо мои работы продаются?

Нет. Представьте, что вы зашли в магазин и хотите что-нибудь купить, а там большая часть товаров уже продана. Вам конечно говорят, что вам подберут что-нибудь другое. Но согласитесь, что у вас возникнет ощущение, что все лучшее разобрали уже до вас. Конечно, разместив уже проданные работы на вэб-сайте, художник произведет впечатление своим умением продавать, но помимо этого, создастся и другое впечатление — все стоящее уже продано, и выбрать можно лишь из того, что не взяли другие. Если хотите разместить на сайте проданные работы, делайте это грамотно и с конкретной целью. Например, покажите ваши многочисленные работы, проданные известным коллекционерам или крупным корпорациям, или организациям и институтам.

Я нахожу в интернете арт-дилеров, галереи, других, авторитетных в мире искусства людей, и рассылаю изображения своих работ по найденным адресам, не сопровождая письма текстом. Я считаю, что люди и организации захотят узнать больше, напишут мне, начнут задавать вопросы или предложат участие в выставках. Однако, пока ответов не приходило. Нет ли у вас соображений по этому поводу?

Из всех возможных способов, выбранный вами является безусловно и безоговорочно самым глупым (второй по глупости — это рассылать письма, начинающиеся словами «Дорогой сэр/ мадам»; третий — «Пожалуйста, посетите мой вэб-сайт и скажите, что вы думаете о моем искусстве»). Люди, которые получают такие письма (если предположить, что они их вообще открывают, чего, поверьте мне, многие из них не делают), удивляются и говорят себе: «Кто этот болван и что ему от меня нужно?». Представьте на время, что вы оставили карьеру художника и ищите другую работу. Делайте это следующим способом — отправляйте в компании свое резюме без каких-либо на то оснований и не давая в них никаких объяснений.

Вы рекомендуете выставляться на местном и региональном уровне и постепенно расширять географию выставок. Значит ли это, что мне нужно попробовать установить контакты со всеми галереями в моем регионе?

Нет. Не торопитесь представляться галереям, и особенно направлять всем запросы по поводу проведения выставок. Познакомьтесь сначала с галереями, изучите специфику каждой, узнайте, какое искусство они представляют. Сконцентрируйтесь на тех галереях, которые специализируются на работах, схожих по стилю с вашими, либо на художниках, похожих на вас по карьерным достижениям. Лучше всего это делать во время открытий выставок или в ходе других многолюдных мероприятий, когда вы сможете, не привлекая к себе внимания, осмотреться и оценить обстановку. Сначала проанализируйте всю собранную информацию, определитесь, что вам подходит, а контакты устанавливайте уже на следующем этапе.

Я бы хотел выставляться в некоторых галереях. С чего бы вы посоветовали начинать разговор, касающийся моего творчества?

Я бы мог написать дюжину статей на эту тему, но если коротко, (я очень надеюсь, что ваши работы по стилю подходят конкретной галерее, в чем вы убедились заблаговременно) то я бы сделал акцент на следующем. Сначала представьтесь, не торопитесь, убедитесь, что у собеседников есть время и желание с вами говорить. Если с этим все в порядке, тогда говорите, но только не о себе, а о них. Продемонстрируйте искренний интерес к галерее, покажите, что вы ее давний поклонник, а не просто еще один художник, пребывающий в поисках выставочных помещений. Если эти формальности успешно преодолены, кратко расскажите о том, почему вы думаете, что ваше творчество созвучно стилю данной галереи. Подтвердите свои доводы ФАКТАМИ. Изучите творчество художников, которые представлены галереей в настоящее время — чем больше будет фактов, тем лучше. Если вы благополучно справились и с этим, то вполне возможно, что ваши собеседники захотят увидеть ваши работы. Желаю удачи!

Я хочу запатентовать свои работы, чтобы никто не мог их копировать. Я собираюсь воспользоваться как можно большим количеством мер юридической защиты. Прав ли я?

Хорошо, вы хотите сказать, что вы что-то изобрели? Что конкретно? Новую химическую формулу для производства красок? Новое оборудование для производства картин? Я не специалист по патентному праву, но если вы ничего не изобрели, значит патентовать вам нечего. Права на ваши работы автоматически закрепляются за вами в момент, когда вы их создаете. На самом деле, здесь не о чем беспокоиться, вам не нужно документально ничего оформлять. Кроме того, следует помнить, что художник, который имеет репутацию склочника, или, хуже того, известен, как любитель обращаться в юридические инстанции, обречен на отторжение со стороны подавляющего большинства потенциальных дилеров, галерей и покупателей. Люди любят искусство за его свободу, за новые идеи, смелые концепции, за новые горизонты, которые оно открывает, и совсем не за то, что оно будет ограничивать нас юридическими условностями. Используйте юридическую систему только тогда, когда все другие меры исчерпаны.

Я не хочу выставлять свои работы в интернете, поскольку изображения могут украсть. Как я могу обезопасить себя от подобных краж?

Мой совет: купите пещеру и живите в ней до конца жизни; никогда и никому не показывайте ваши работы; не забудьте в завещании упомянуть место, где вы их спрятали, и тогда, после вашего ухода в лучший мир, кто-нибудь и где-нибудь непременно займется раскруткой и продажей ваших работ.

Стоит ли настаивать на подписании договора о неразглашении информации дилером, галереей или консультантом, прежде чем начинать переговоры?

Конечно стоит, и тогда вы, как художник, никогда и ничего не добьетесь!

Галереи не принимают мои работы.Что бы вы мне посоветовали?

Попробуйте поучаствовать в коллективных выставках и конкурсах. Попробуйте, совместно с другими художниками, арендовать выставочные площади. Можно попробовать выставляться в «не артистических местах», таких, как рестораны, кафе, закусочные, вестибюли гостиниц и фирм, парикмахерские, даже просто частные дома. Выставляйтесь везде, где можно показать работы. Пробуйте все, что возможно. Узнайте, не могут ли вам помочь друзья. Можно вывесить работы в публичных местах, в залах заседаний, в фойе кинотеатров и концертных залов. Ищите любые возможности. Чем больше людей увидит ваши работы, тем выше ваши шансы когда-нибудь попасть в галерею. Создавайте свое резюме терпеливо, строчку за строчкой, и каким бы незначительным ни казалось вам событие, скрывающееся за каждой такой строкой, все это в конечном счете сочтется и поможет вашей дальнейшей карьере.

На вэб-сайте я не указываю цен на мои работы. Я хочу, чтобы заинтересованные покупатели связались со мной лично, для уточнения всех подробностей. Правильно ли это?

Нет. Люди не любят спрашивать о ценах, поскольку они не хотят неудобно выглядеть, в случае, если цены окажутся выше их ожиданий. Понравится ли вам магазин, в котором нет ни одного ценника, и в котором вы будете вынуждены спрашивать цену всего, что вас заинтересует?

Стоит ли мне вести блог на вэб-сайте?

И да, и нет. Да, если вы пишете хорошо, регулярно и интересно. Тогда вы привлекаете внимание, формируете аудиторию поклонников, демонстрируете любителям искусства, что вы в них заинтересованы. Нет, если ваши заметки не связаны с темой сайта, и если они выходят с частотой раз в несколько месяцев, поскольку так вы показываете своим читателям, что они вам неинтересны, безразличны. Прежде чем начинать блог, нужно четко понимать, что ведение блога требует времени, усилий, настойчивости и регулярности. Если вы готовы придерживаться этих правил, результаты будут очень хорошие.

Я работаю в крупном формате, размеры моих работ колеблются в пределах от одного метра до двух. В связи с этим возникают многочисленные проблемы с организацией выставок и продаж. Есть ли какие-то способы справиться с такими проблемами? Есть ли галереи специализирующиеся на выставках работ большого формата?

Об искусстве большого формата следует знать, что люди, которые покупают крупногабаритные работы (и галереи, в которых они выставляются) в основном предпочитают, чтобы создателями таких работ были известные художники. Проще говоря, большие работы требуют «больших» имен. Некоторые галереи подбирают работы большого формата для корпоративных клиентов, для оформления просторных помещений, но такие работы должны соответствовать очень специфическим требованиям. Правда в том, что большинство покупателей работ большого формата делают это, чтоб произвести впечатление, а, как известно, наиболее сильное впечатление можно произвести известным именем автора. Поэтому, если ваша карьера еще на начальной стадии, и, если вы еще только формируете свое резюме, то имеет смысл подумать об уменьшении размеров ваших работ. Крупногабаритные работы хороши только тогда, когда они могут выгодно подчеркнуть достоинства работ меньшего формата — срабатывает так называемый эффект выгодного соседства. Мой вам совет: подумайте о создании работ среднего или малого размера, и не только потому, что они требуют меньше места для экспонирования и хранения, но и потому, что они более доступны в смысле их стоимости. И вообще, чем больше выбора вы предоставите потенциальным покупателям малогабаритных работ, особенно в самом начале вашей карьеры, тем лучше.

Не могли бы вы подсказать, что надо делать, чтоб в условиях нынешней экономики успешно продавать работы. В последнее время мне не очень везет.

Два ключевых фактора успеха — это упорство и решительность. Как бы трудно ни шли дела, показывайте всем, что вы здесь всерьез и надолго, и что всем надо с этим смириться. Когда-то, на заре своей карьеры, я любил поговорку – сто отказов, на каждый положительный отклик. Когда дела заходили в тупик, или когда кто-то в очередной раз предлагал мне остановиться и найти нормальную работу, я лишь удваивал усилия, чтобы доказать, насколько они неправы. И у меня получилось! И вот что мне нравится в нынешней экономической ситуации — прямо по пословице «нет худа без добра» — сегодняшняя экономика вынуждает художника самоутверждаться, показывать, на что он способен, не оглядываясь на обстоятельства, расширять горизонты, проявлять находчивость, изобретательность и новаторство. Для тех, кто ищет возможность самореализоваться и свободно творить, Америка по-прежнему остается лучшим местом на Земле. Эту привилегию надо использовать грамотно и с выгодой для себя.

Я планирую найти в интернете названия пары сотен галерей в крупнейших городах мира и отправить по найденным адресам открытки с информацией о моих работах. Каково ваше мнение на этот счет?

Вас интересует мое мнение? Забудьте об этой идее. Прежде чем выходить на международный уровень реализуйте себя там, где вы живете. И потом, для обращения к кому-либо у вас должна быть причина. Заявление вроде: «Привет, я художник, вот мои работы», — совершенно недостаточная причина для обращения в галерею. Обращение в любую галерею должно быть индивидуальным, и, что самое важное, вы должны быть в состоянии объяснить, почему ваши работы подходят для экспонирования в конкретно выбранной вами галерее. Проще говоря, факт того, что у галереи есть стены, а у вас есть работы и желание выставляться, не является достаточным основанием. Обращаясь к галерее, говорите не о себе, а о них. Если вы сможете доказать, что вы понимаете миссию этой галереи, ее стратегию, задачи, которые она ставит перед собой, если вы продемонстрируете знакомство с ее историей и с художниками, которых она представляет, и объясните, как вы и ваши работы вписываются в концепцию галереи, то только тогда вы будете иметь шанс на то, что вас заметят.

Я намерен записаться на бизнес-курсы для художников. Что вы думаете о моем решении?

Если и есть профессия, которая не может использовать общих законов ведения бизнеса, то это профессия художника. Поэтому вам, в первую очередь, важно убедиться, что тот, кто преподает на этих курсах, имеет вес и опыт работы именно в мире искусства, а не является одним из многочисленных менеджеров с научной степенью, парой лет опыта работы в какой-нибудь корпорации и самонадеянной уверенностью, что продавать картины так же просто, как и любой другой продукт.

Устанавливая контакт с галереями, должен ли я показывать им все свои работы?

Нет, вам следует показывать только то, над чем вы работаете сейчас. И если по замечаниям и вопросам вы почувствуете целесообразность, то можно показать те ранние работы, которые способствовали формированию вашего нынешнего творчества. Кроме прочего, убедитесь, что ваши работы сгруппированы по темам или сериям. Две, три, максимум, четыре крупных категории, каждую из которых вы можете ясно описать и прокомментировать. Показывая беспорядочно много работ, вы лишь сбиваете всех с толку — и себя, и галерею. Ваше интервью с галереей имеет две цели: показать свой талант и, что важнее всего, убедить галерею в том, что ваша миссия достойна интереса с их стороны. Эта вторая цель, более важна, чем демонстрация вашего таланта. Галереи интересуются привлекательными историями о художниках и их работах и уважают художников, которые твердо знают, что делают.

Недавно я услышал о международном конкурсе с большим призовым фондом. К участию приглашаются все художники, на любом уровне их карьеры. Я начинающий художник и у меня нет серьезного резюме. Стоит ли мне принимать участие в конкурсе?

Для верной оценки любого конкурса нужны факты. Сколько лет существует конкурс? Кто его последние победители (особенно с резюме, похожими на ваше)? Сколько участников? Каковы цифры по продажам? Известны ли имена членов жюри, и имена спонсоров? Какие музеи и галереи стоят за организаторами конкурса? Что пишут о конкурсе пресса и критики? Очень важны электронные и почтовые адреса, телефонные номера и прочая конкретная информация, которая позволит вам связаться и проверить все, что говорится и пишется о конкурсе? Собрав всю необходимую информацию, звоните, пишите, направляйте запросы. Ваша задача состоит в том, чтобы убедиться, что конкурс известен и имеет авторитет в мире искусства. Если все, что вы получаете в ответ на запросы, это общая и ничем не подтвержденная информация, или расплывчатые обещания связаться с вами когда-нибудь, позднее, то, вероятно, вам следует пропустить этот конкурс и дождаться следующего. Никогда не подавайте свои работы на конкурс раньше, чем соберете о нем полную информацию, иначе вы рискуете напрасно потратить свое время и деньги. И уж коли мы заговорили на тему конкурсов, а также в качестве информации для тех из вас, кто любит цифры, следует заметить, что прослеживается обратная зависимость между уровнем конкурса и той суммой, которую должен заплатить его участник. Другими словами, чем больше сумма, которую вас просят заплатить за участие в конкурсе, тем меньше вероятность того, что в конкурсе вообще стоит участвовать.

Стоит ли мне нанимать художественного инструктора?

Мне всегда было интересно, кто же это такой, художественный инструктор? Это некто, кто говорит вам, как сконцентрироваться на работе? Или может, он научит вас, как заглянуть внутрь себя и увидеть свою истинную сущность? Для успеха вам, как художнику, необходимо точное понимание того, как создавать свои работы, и как их продвигать и продавать. Все, что вам нужно — практические инструкции, которые вы могли бы использовать, и отнюдь не праздные разговоры. К примеру, вы можете сходить на курсы живописи, поучаствовать в семинаре или в дискуссии, посвященным конкретным аспектам арт-бизнеса или творчества. В любом случае, что бы вы ни делали и кого бы не нанимали, убедитесь, что, в обмен на свои деньги, вы получите осязаемый результат, т. е. навык, метод, технику, подход, и что ваш преподаватель имеет достаточный авторитет и квалификацию в интересующей вас области.

Мой консультант утверждает, что он может посодействовать тому, чтобы мои работы были приняты к участию в престижных конкурсах. И возможно даже, что с его помощью я начну выставляться в музеях. По его словам, он научит меня правильно составлять письма, использовать специальные методы работы, которые позволят моим картинам предстать в выгодном свете перед авторитетными людьми из художественного мира. Как вы можете прокомментировать эту информацию?

Если вы полагаете, что участие в музейных выставках является результатом правильно написанного письма или использования каких-либо особых методов работы с кураторами, то вам пора переосмыслить ситуацию. Единственно возможный, известный мне способ попадания работы в музей, лежит через повышение качества этой работы. Вы, как и любой другой художник, постепенно поднимаетесь по карьерным ступеням. Вы сами формируете карьерную базу своим участием в выставках, повышением продаж, интересом к вашему творчеству критиков и прессы. И в какой-то момент музеи начинают замечать вас. Поверьте, нет никаких специальных способов сделать этот процесс короче.

Подскажите, как «сделать» себе имя?

Показывайте свои работы как можно большему количеству людей. Чем больше и чаще люди видят ваши работы, тем быстрее они запомнят ваше имя. Регулярная, постоянная и целенаправленная демонстрация работ ничем не отличается от коммерческой рекламы. Чем чаще упоминаются ваши работы, тем лучше публика знакома с ними, а это в свою очередь повышает вероятность того, что люди захотят узнать о ваших работах больше, ну, и возможно, начнут покупать их.

Как мне улучшить связи с миром искусства? Я не самый общительный человек…

Здесь прослеживается прямая зависимость с ответом на предыдущий вопрос. Художнику необходимо быть на публике как можно чаще. Посещать открытия выставок, семинары, лекции, местные музеи, проводить время там, где общаются люди искусства, где они обмениваются мнениями и обсуждают проблемы. Не беспокойтесь о том, что будете неловко выглядеть или неудобно себя чувствовать. Вы не обязаны говорить или делать то, что вам не по душе. Просто расслабьтесь и приятно проводите время. Все, что вам нужно, это показать себя, и очень скоро вы заметите, что люди начнут узнавать вас, подходить к вам, знакомиться, представляться, задавать вопросы. И, хотите верьте, хотите нет, но очень скоро то же самое начнете делать и вы. Именно так зарождаются контакты и связи в мире искусства.

Как мне словесно описать мою работу людям, которые никогда не видели моих картин? У меня не очень получается говорить о собственных работах…

Говорите просто и ясно, и пусть те, с кем вы говорите, подсказывают вам направление, в котором должна продвигаться беседа. Ориентируйтесь на те проблемы и вопросы, которые интересуют ваших собеседников. То, что волнует только вас, может и подождать. Старайтесь отвечать на вопросы как можно более прямо и информативно. Не уводите беседу в сторону и не отвечайте на вопросы, которых вам не задавали. Никогда не загружайте собеседника своими познаниями в истории искусств. Воздержитесь от менторского тона и от профессорской лекции . Пресыщение информацией, как правило, означает конец разговора, а Ваша цель — завязать общение, инициировать интерес к вашим работам, и сделать это можно только говоря на языке собеседника, давая ему ровно столько информации, сколько необходимо для поддержания его интереса к вам. Кстати, если вы чувствуете неловкость, когда говорите о своем творчестве, попрактикуйтесь дома или с кем-то из друзей. Рассказывайте о себе хоть стенке, хоть плюшевому мишке. Чем больше будет практики, тем лучше будет получаться, и тем свободнее вы будете себя чувствовать в общении с малознакомым собеседником».

Дианов Арт