6 октября 2018

Картина «Девочка с воздушным шаром» считается одной из самых известных работ британского художника. На холсте изображена девочка, которая протягивает руку к ярко-красному воздушному шарику. Первая версия работы появилась на набережной Темзы в 2002 году. Спустя четыре года Бэнкси написал ее на холсте. Рама картины, по требованию художника, была неотъемлемой частью произведения. До сегодняшнего дня роль и значение рамы для Бэнкси были неизвестны.

В Sotheby’s заявили, что самоуничтожение картины — своеобразное послание Бэнкси, которое означает быстротечность и кратковременность человеческих эмоций в мире социальных сетей. Это первый случай в истории, когда произведение искусства самоуничтожилось, как только его продали с молотка.

Бэнкси — псевдоним уличного художника из Британии, который обрел мировую популярность. Его настоящее имя и возраст неизвестны. Рисунки художника появились в городах Великобритании в начале 90-х годов. Сейчас работы мастера с острым социальным и политическим подтекстом украшают стены во всем мире. Бэнкси также пишет картины. Анонимность не мешает ему продавать их за миллионы долларов.

Почему люди коллекционируют произведения искусства

Нефтяной миллионер Пол Гетти был невероятной скрягой. Он даже установил платный телефон в своём особняке в Суррее (Англия), чтобы удержать гостей от искушения звонить по междугородней линии. Гетти так долго отказывался платить выкуп за похищенного внука, что разочарованным похитителям пришлось выслать ухо по почте в качестве доказательства, что они не шутят. При этом Гетти тратил миллионы долларов на искусство и на строительство Музея Гетти в Лос-Анджелесе. Сам себя Гетти считал «вероятно неизлечимым артоманом», и несколько раз пытался завязать с этим хобби, но спустя некоторое время вновь возвращался к нему. Он боялся авиаперелётов и был слишком занят, чтобы доплыть из Лондона в Калифорнию, поэтому так никогда и не посетил музей, на который потратил огромные суммы.

Гетти — один из тех людей, которые шли на многое, чтобы коллекционировать творения искусства — изнурительные поиски, огромные траты, иногда даже воровство. Всё для того, чтобы удовлетворить своё страстное желание. Но что же управляло ими?

Споры о том, почему люди коллекционируют произведения искусства не утихают со времён римского оратора Квинтилиана (I век н.э.), который полагал, что те, кто восхищаются примитивными (по его мнению) творениями художника Полигнота, «желают казаться со стороны обладателями высокого вкуса». Многие до сих пор разделяют эту точку зрения античного ритора.

Другое популярное объяснение — финансовая выгода. Однако почему коллекционеры готовы идти на такие жертвы? Бесспорно, многие люди приобретают творения искусства, руководствуясь прагматичными целями. Вы можете перепродать их. Есть возможность получить крупные налоговые отчисления, если пожертвуете произведение искусства в музей. Они временами настолько огромны, что федеральное правительство наполнили тысячи награбленных предметов из древних времён, которые были ввезены незаконно на территорию США . Многие коллекционеры научились удерживать работы в своей собственности и при этом получать налоговые льготы, жертвуя их частным музеям, которые находятся в собственности самих же коллекционеров. Самый гнусный способ — некоторые мошенники приобретают продукты искусства для отмывания денег. Через границу намного проще перевезти предметы искусства, чем наличные деньги .

Но большинство настоящих коллекционеров едва заинтересованы в этом. Для них искусство превыше всего. Ими руководит создание и укрепление общественных связей, а также передача информации о себе и о мире в рамках эти новых социальных взаимодействий. Вспомните о том, как вы были ребенком, и могли подружиться с ровесником, показав ему коробку, наполненную фантиками от жевательной резинки «Турбо» (адаптация, да — ред.). Вы образовывали новое соединение в ваших социальных взаимодействиях, предоставляя какую-то конкретную информацию о себе (я люблю жевательную резину; я люблю автомобили). Коллекционер, который показывает гостям свою частную художественную коллекцию, руководствуется теми же целями — рассказывает новым друзьям о себе.

Люди, как правило, полагают, что коллекционеры всегда находятся в постоянном противостоянии друг с другом за обладание тем или иным произведением искусства. Серьёзные коллекционеры наоборот чаще говорят не об конкуренции, а о важной роли их хобби в создании и укреплении круга общения: семьи, друзей, знатоков, посетителей и коллег-коллекционеров. Причина, при которой коллекционер совершил свою первую покупку, часто связана с социальным элементом. В очень редких случаях коллекционеры объясняют своё увлечение непосредственным знакомством с художественными работами или интересом к прошлому. Коллекционер демонстрирует своим детям собранные работы, как поклонник спорта зовёт своё чадо для просмотра игры: укрепление семейных связей через общий интерес.

И даже существующие исключения подтверждают правило. Другой богатый нефтяник  — Галуст Гюльбенкян — называл сказочные коллекции произведений искусств «своими дети». Он старался игнорировать факт существования собственных детей и жил ради того, чтобы служить искусству. Утверждая, что «у моих детей должна быть своя личная жизнь» и «дом, где Гюльбенкяны смогут жить», он построил особняк в Париже и защищал его баррикадами, сторожевыми псами и частными охранными службами. На запросы музеев одолжить работы на некоторое время он категорически отказывал. Никакой речи и быть не могло о том, чтобы пустить к ним посетителей, потому что «моих детей ничего не должно тревожить». Но даже такой фанатичный коллекционер, которые предпочитает искусство людям, показывает социальную сторону своего увлечения, относясь к продуктам искусствам, как к людям. И когда Гюльбенкян умер, то передал свою коллекцию в одноименный музей в Лиссабоне в 1955 году, он проявил заботу о людях, просто не знал об этом.

Коллекционеры не только заинтересованы в создании круга общения; они также мотивированы сообщениями, которые они могут рассылать через эти социальные сети. Нам всем известно, что искусство — мощное средство для художника выразить свои мысли и чувства, но это же касается и коллекционеров. Многие из них тщательно отбирают в свою коллекцию только те работы, которые способны отразить их собственные переживания и их цели.

Очень часто это связано с личностью самого коллекционера, точнее, каким он себя видит. С самого появления искусства мы уверены, что оно не только передаёт внутренний мир его автора, но и владельца. Так же, как собственная идентификация связана с родословной, так и владение продуктами искусства связывает нас с прошлым, ассоциацией себя с великими людьми.

Вероятнее всего, первыми коллекционерами можно назвать род Атталидов. После смерти Александра Великого, один из его генералов оставил сокровище в 9000 талантов казначею Филетеру в небольшом, но хорошо защищенном городе Бергама на западном побережье северной Турции. Филетер тут же предал своего хозяина, закрыл ворота крепости и использовал сокровище для создания собственного королевства. Новая династия, известная как род Атталидов, пошла на многое, чтобы приобрести как можно больше образцов греческого искусства. Король Аттал I даже скупил целый остров — богатую Эгину. После, обчистил его города и святилища, отобрал шедевры искусства, чтобы украсить Пергам.

Атталиды окружили себя греческим искусством в надежде, что таким образом сами станут греками, а значит законными наследниками Александра Великого, несмотря на то, что предали его генерала. В то время в области Средиземного моря правили династии из бывших генералов Александра — Селевки, Антигоны и Птолемеи. Они, прикрываясь славой и величием Александра Македонского, могли оправдывать своё властвование над коренными народами. Действительно, соблюдением чистой царской крови был настолько важным ритуалом для Птолемеев, правивших Египтом, что их цари постоянно женились на своих сестрах. Клеопатра, последняя из династии Птолемеев до полного завоевания римлянами Египта, была замужем поочередно за двумя своими братьями. Также она успела «подружиться» с Юлием Цезарем и Марком Антонием, наверное, потому что она не нуждалась в коллекции произведений искусств, чтобы доказать свою политическую власть.

Множество династий и политических деятелей: от Карла Великого до Саддама Хусейна последовали примеру Атталидов и коллекционировали искусство и продукты культуры, чтобы узаконить своё право на престол и провести ассоциацию у людей с великими правителями из прошлого. В меньшем масштабе отдельные коллекционеры действуют по тому же сценарию. Например, увлечение Гетти искусством превратило его из некультурного американца в просвещенного европейца.

Гетти родился в маленьком городе и вырос в нефтяных окрестностях Великих Равнин. Он заработал свой первый миллион в Оклахоме в 1916 году, когда ему было 24 года. Будущий миллионер сразу же уволился, заявив, что отныне будет наслаждаться жизнью и скоростными автомобилями. Но калифорнийская идиллия быстро надоела Гетти, и он опять приступил к работе спустя год. Знаменитый коллекционер трудился до конца своей продолжительной жизни, постоянно путешествуя, никому не доверяя и накапливая огромное состояние. Когда он умер, то владел около 2 миллиардами долларов, которые заработал благодаря нефтяной компании Getty Oil Company.

На заре своего увлечения Гетти интересовался покупкой греческих и римских древностей. Действовал против американского духа времени. Путешественник Ральф Иззард Миддлтон из Южной Каролины лучше всех передал американское отношение к древнему искусству. После того, как он увидел Belvedere Torso в музее Ватикана, то написал своей семье, что художники просто обязаны увидеть это место, но что касается простых людей, «которые не могут и собаку слепить из куска воска (к которым можно причислить и меня), тратить время на посещение этого места посреди зимы, постоянно восклицая: «Как красиво, как красиво», при это всё время думая: «Как холодно, как холодно» — это полный абсурд». В этом же письме он возмущается, что «триумфальные арки и старые шатающиеся колонны, ветхие статуи и покрытые сажей фрески — вздор».

Отношение Миддлтона (по-видимому, разделят многие из современных туристических групп, посещающих Рим сегодня) было весьма распространено среди американцев XVIII и XIX века. Классицизм не пользовался особой популярностью в США. Может быть, потому что американцы создали нацию на убеждённости, что их страна решительно не имеет никакого отношения к Старому миру, поэтому огромные коллекции древностей казались для них нелепыми. Классические коллекции произведений искусства были связаны с европейской аристократией, особенно с английской элитой XVIII века против которой восстали американцы.

Гетти отличался от них. У него было много общего с аристократами из XVIII века. Он поставил перед собой цель понять и овладеть особенностями европейской культуры. Гетти мог нанять лучших переводчика мира, но вместо этого изучал языки самостоятельно, практикуя их в одиночку поздно ночью в номере отеля. Языки — не единственный способ, с помощью которого он пытался приобщиться к другим культурам. Как утверждает одна из его жён: «Он не то, чтобы имитировал манеры и особенности культуры, он полностью их перенимал, сливался с ними».

Гетти, прежде всего, предпочитал покупать предметы старины, ранее принадлежавшие императору Адриану или аристократии XVIII века, или, в идеале, обоим. Таким он считал Геракла Лэнсдаунов. Он купил эту скульптуру у английской благородной семьи Лэнсдаунов, которые были её владельцами с 1792 года, после того, как она была обнаружена, якобы, на месте, где находилась Вилла Адриана.

То, что статуя действительно принадлежала Адриану могло быть выдумкой торговца XVII века. Гетти был убеждён в обратном. Он хвастался, что «есть основания полагать, что эта статуя … была любимицей римского императора Адриана, который считался самым утончённым из всех древних римских императоров». Он был в восторге от мысли, что владеет «этой великолепной мраморной скульптурой, которая когда-то радовала императора Адриана и на протяжении полутора веков была гордостью Британии. Теперь же она полностью «американизировались», чтобы предстать перед всеми в Музее Гетти».

Боровский родился в Польше и провёл большую часть Второй мировой войны в Швейцарии, где ему разрешили работать неполный рабочий день в музее в Женеве. В 1943 году он открыл для себя образец ближневосточной цилиндрической печати. После этого он заинтересовался коллекционированием древностей. Боровский писал об том, что надпись на печати, «ле-Шеллум» не давала мне покоя, хотя я сомневался, что она принадлежит царю Израиля Шаллуму бен Йавэйш. Я … работал в музее в состоянии эмоциональной изоляции и глубокой депрессии, потому что уже около года мне было известно о судьбе моей семьи в Варшаве».

Семья Боровского — он был шестым из семи детей — была убиты нацистами. В произведениях искусства он как коллекционер, видит своих предков, даже если они разделены милями и веками .

Отдалившись от мира, Боровский увлёкся древностями, который напомнили ему о совершенно иных временах, когда евреи управляли мощным и страшным государством. Несмотря на то, что та самая печать (которую он позже приобрёл) на самом деле не являлся собственностью царя Израильского, это оказало влияние на его увлечение:

Я представлял, возможно, мечтал, что приобретение этой вещи [печати] даст старт духовному излечению, эффективному против ужасов тех времен [то есть, Второй мировой войны]. Как было бы замечательно, если мне удалось сформировать коллекцию произведений искусств, целью которой было бы укрепить исторические истины Библии и, тем самым, попросить людей подняться над материализмом для того, чтобы вернуться к вечным, духовным ценностям, к красоте Библии и гуманизму. Так я начал коллекционировать искусство древнего мира и Библии.

Только истинный коллекционер уверен, что сила искусства способа помочь Библии сплотить людей.

Боровский был одним из многих людей, которые после ужасов нацизма были твёрдо уверены: общество должно быть построено на новом фундаменте, чтобы гарантировать, что это вновь не повторится. Он считал, что библейская мораль и греческий гуманизм способны сделать это. Соответственно, Боровский «торжественно пообещал», что он «посвятит свою жизнь созданию мирового центра по обучению библейских культур и истории искусства». Сперва он основал Археологический фонд библейских земель в Торонто в 1976 году, а затем Музей библейских стран в Иерусалиме в 1992 году, которому он пожертвовал более 1700 предметов из своей коллекции вместе с 12 миллионами долларов на строительство. Как и Гетти, Боровский инвестировали значительные средства в послание всему миру.

Но есть и обратная сторона. Одержимость Боровского его целями была настолько сильна, что он преодолевал любые сомнения и, возможно, неоднократно нарушал закон. Он приобретал некоторые ценности непосредственно у отъявленных контрабандистов, став одним из наиболее важных участников незаконной торговли награбленных предметов старины. Боровский этого не отрицал. Жена и партнер Боровского — Батья ответила на вопросы по поводу сомнительного происхождения многих из собранных предметов старины: «Вы правы. Они украдены. Но мы их не крали и не поощряли это. Наоборот, мы собрали их со всего мира и привезли в Иерусалим. Эли — не похититель артефактов. Собрав эти древности, он спас и сохранил нашу историю и наследие».

Сегодня грабители не брезгуют ничем — от древнегреческих и римских до индейских площадок в США. И конца этому пока не видно. Недавние конфликты в Ираке, Афганистане, Египте, Сирии и Йемене формируют новые возможности для такого воровства.

Понимание того, что коллекционирование искусства — это в первую очередь социальная деятельность имеет важное значение для решения этой проблемы. Во-первых, искусство распространяется по социальным сетям.  Существуют множество возможных покупателей или площадок для ценных предметов старины. Во-вторых, эти социальные сети от искусства настолько крепки, что весьма сложно объяснить коллекционерам, что они поступают не совсем хорошо. Это означает,  по сути, что им придётся отвергнуть свою взаимосвязь с другими коллекционерами. И Гетти был чуть ли не первым и последним, кто обнаружил, что эту зависимость трудно преодолеть.

Оригинальная статья: Aeon
Автор: Эрин Томпсон

Дидро говорил: «В тот момент, когда художник думает о деньгах, он теряет чувство прекрасного». Настоящий художник должен быть бедным?

Дидро говорит так, а великий Чарли Чаплин сказал, что только деньги дали ему настоящую свободу и дали понять, что такое красота мира. Так что у каждого свои счеты с деньгами. Художник обязан постоянно думать, на что покупать краски, бронзу, содержать мастерскую. Конечно, если он думает только о наживе, только о заказах, он теряет не только чувство прекрасного, он теряет и свою душу. Деньги – это страшное искушение, и уж кому, как не россиянам, это понимать. Потому что 70 лет нам кричали о том, что человек должен быть бессеребренником, что не в деньгах счастье, слово «бизнесмен» или «деляга» считалось оскорбительным и порочащим имя советского человека. И вдруг! Случилась перестройка! Выяснилось, что миллионы так называемых советских бессеребренников, самых добрых, самых благородных, с большим удовольствием ради денег идут если не на все, то на очень многое. Выяснилось, что этот самый гуманный строй породил сотни тысяч монстров. Через каких-то 5–10 лет советский человек превратился в делягу, мафиози, убийцу. Сами знаете, как начинался бизнес… Люди вдруг озверели и до сих пор не пришли в нормальное человеческое состояние. Забыты понятия «честь», «мораль», «сострадание», «родина», «отечество» – и это самое страшное. Так что деньги, конечно, – это большой соблазн, и, увы, российский человек этого испытания не выдержал. Власть бьет себя в грудь, кричит о том, что надо бороться с воровством, с коррупцией. А коррупция не только не исчезает, она, наоборот, набирает темпы.

Вы жили во многих странах, разве на Западе нет коррупции?

Я вырос в Германии, 10 лет прожил во Франции, 30 лет прожил в Америке, сейчас снова живу во Франции, я мотался по всем странам. И, конечно, сказать, что рай на земле существует – это было бы явным преувеличением. Но я всегда вспоминаю слова Эрнста Неизвестного, когда его спросили: «Господин Неизвестный, вот вы получили звание «Почетного гражданина Швейцарии». А почему вы выбрали для жизни Америку?» Он ответил: «Рая на земле нет, но если говорить об аде, то я выбрал американский ад». Я в этом отношении полностью с ним согласен. Я сам прожил большую часть своих лет в Америке и продолжал бы там жить, если бы не рухнул «железный» занавес и я не начал работать для России. А мотаться через океан 3 раза в месяц – это очень трудно. Тем более, у меня много животных, и мы с супругой всегда страдаем, когда оставляем своих питомцев без нашего внимания. Поэтому мы живем в Европе, чтобы быть ближе к России. Но я очень скучаю по Америке. Конечно, там существуют воровство, коррупция, но не в таких чудовищных размерах, как в России, где воруют миллиардами! В этом может с нами сравниться только какая-нибудь африканская республика, где их правители держат в холодильнике тела своих подчиненных и загребают все, что только можно загрести.

У нас любят поговорить о социальной ответственности бизнеса, а как с этим на Западе?

В Америке, например, чуть ли не 40 млрд в год тратится на искусство, это все деньги меценатов. Нам до этого плыть и плыть веселой компанией. Вместо того чтобы помогать интеллигенции, помогать своей стране, бизнес вывозит деньги, купается в какой-то немыслимой, нелепой роскоши и зачастую служит карикатурой для всего мира. Купить себе 100 ошейников за 100 тыс. долларов каждый, в тот момент, когда ты прекрасно понимаешь, что эти деньги могли помочь какому-нибудь детскому дому или художественному училищу, – это безнравственно. К счастью, бывают исключения. Например, Прохоров. Что-то просыпается в их головах, что-то делается, но это в таких микроскопических размерах, что говорить о том, что будет с будущим России или будущим искусством России, – очень сложно.

Почему же западные меценаты легче расстаются со своими миллионами, чем наши?

Во-первых, потому что в России нет закона о списывании налогов за благотворительность. Это очень тормозит. Я однажды присутствовал в качестве наблюдателя на заседании Совета по культуре при президенте. Путину был задан вопрос о меценатстве, и он сразу сказал: «Это еще один повод к воровству, поэтому этот вопрос я снимаю с повестки дня». Воровать все равно не перестали. Но если бы этот закон был принят, если хотя бы 10 % уходило все-таки на искусство, музеи, художников и музыкантов – все равно это была бы колоссальная революция в плане помощи интеллигенции. Сегодня ждать какой-то поддержки от Министерства культуры, от господина Авдеева просто бессмысленно. Все разводят руками, причмокивают, скашивают глаза к кончику носа, бормочут о том, что денег нет… в этой богатейшей стране!

Это из-за отсутствия финансирования вы до сих пор не можете доснять ваш фильм по произведениям Гофмана? 

Мы уже около 7 лет работаем с Союзмультфильмом над кукольным анимационным фильмом «Гофманиада» – это история самого Гофмана. Если бы у нас были спонсоры или господдержка, мы могли бы сделать этот фильм за 1,5 года. А так в течение 7 лет государство выделяло какие-то крохи. Мы с большим трудом сделали почти 25 минут, и будем снова ждать, где-то клянчить… Директор Союзмультфильма обратился к Вексельбергу. В течение 2 месяцев его сотрудники изучали наше предложение и пришли к выводу, что престижу миллиардера это ничего не добавит. Зато он хорошо распиарился, когда купил наполовину фальшивые яйца Фаберже и привез их на время показать в Россию. Ну, что тут скажешь…

Как вы думаете, куда движется современное искусство?

К сожалению, живопись пока не может найти какого-то мощного хода, это или повторы, или же вульгарное выпендривание, которым занимаются Дубосарский и Виноградов под видом того, что они делают новую живопись или продвигают идею того, что они делают картины на заказ от примитивного человека. Поэтому появляется обнаженный Шварценеггер, Достоевский, совокупление крестьян на поле, и все это написано широкой вульгарной кистью. Но, тем не менее, при хорошем паблисити их раскрутили, и на сегодняшний день они здесь, в России, считаются чуть ли не мэтрами российской живописи! Это, конечно, все печально, это пена, которая со временем уйдет, потому что я твердо верю в какую-то особую предназначенность российских интеллектуалов. Потому что все-таки самую большую революцию в современном искусстве совершил русский авангард. Художники, которые представляли Россию в те далекие годы, от них, собственно, и пошло все современное искусство как в Америке, так и во Франции. Запад наше лучшее перенял. К сожалению, Россия перенимает только худшее. У нас не бывает золотой середины, сплошные крайности… В Америке, кстати, до сих пор существует школа реалистической живописи, абстрактной живописи, школа поисков. Справедливости ради отмечу, что в области театра россияне делают интересные вещи, проходит очень много театральных фестивалей, но то, что касается изобразительного искусства, – это, конечно, довольно печальная картина.

Вы часто бываете в Сибири…

Туда я езжу, потому что я очень верю в российскую глубинку. Допустим, молодежь глубинки и молодежь Москвы и Петербурга очень отличается. В провинции еще сохранилась какая-то чистота, стремление к чему-то доброму, желание что-то сделать. А здесь видишь какой-то чудовищный цинизм, или снобизм, такой дутый, пустой и нелепый. И винить эту молодежь невозможно, потому что ей создаются такие условия, в которых она принимает эти безобразные формы. Все подвержено торговле, пошлости, стоит только включить телевизор. Я, правда, не скажу, что американское или французское телевидение намного лучше…

Миллионеры тратят баснословные суммы на непонятное искусство, думая, что это хорошие инвестиции. Есть ли какие-то гарантии, что купленное сегодня за миллионы завтра не обесценится?

На сегодняшний день нувориши покупают не произведения искусства, они покупают определенное место в высшее общество. Взять, к примеру, украинского миллиардера Пинчука. Он сделал очень умный шаг. Он сделал первую выставку Дэ́мьена Хёрста, подружился с крестными отцами художественной мафии – самым известным в мире арт-дилером Ларри Гагосяном и самым известным коллекционером современного искусства Чарльзом Саачи. Последний пользуется услугами Гагосяна для приобретения новых работ – оба доны Корлеоне от искусства. Пинчук купил помещение, сделал Музей современного искусства. Показал украинцам разрезанные части коров, помещенные в спирт. После всего этого он сразу стал одним из ведущих коллекционеров. Сегодня вы открываете журнал по искусству: Пинчук во всей красе с крупнейшими директорами музеев в обнимку, работы из его коллекции расходятся по галереям. Идет большая игра. Из обычного нувориша он превратился в знаковую фигуру современного искусства. Эти люди не обладают большим интеллектом, да он им и не нужен. Это люди денег, люди бизнеса, люди наживы. Но когда у вас много денег, которые вы заработали на угле или на туалетной бумаге, вам же хочется попасть, что называется, в higher society. Денег много, а что толку, вас в высшее общество не пускают. А там кипит жизнь, все сильные мира сего, какие-то тусовки, а ты никто, а денег много. Таким образом эти люди покупают себе билет в высший свет.

Роман Абрамович из этой же «оперы»?

Абрамович сделал очень хороший ход, когда купил за 90 млн фунтов один из лучших триптихов Фрэнсиса Бэкона и купил Люсьена Фрейда за 35 млн фунтов, – вот здесь он не прогадал. И это меня поразило, наверно, у него какой-то советник появился или вообще он, может быть, очень умный парень. Потом было куплено или арендовано это помещение «Гараж», и его подруга становится чуть ли не законодательницей мод всея Руси Великой! Недавно открываю журнал «Арт-хроника»: Роман Абрамович с Дашей Жуковой в золотой раме, как первые властелины художественного мира. Всего их, оказывается, 50 штук. И все говорят, что да, несколько женщин сегодня творят и управляют российским искусством. Вы теперь понимаете, что значит купить, приобрести и запрыгнуть сразу на определенную социальную ступень. У этих людей так много денег, что даже если они потеряли что-то от своих вложений, это все равно, что из нашего кармана выпало 10 копеек. Это очень сложный психологический процесс и социальная лестница, которая ничего общего с искусством или художественными ценностями не имеет.
Для того чтобы по-настоящему разбираться в современном искусстве, нужно обладать определенным интеллектом, познаниями, а когда человек абсолютно беспомощен и не понимает, что хорошо, а что плохо, а хочется проникнуть в высший свет, вот его, как глупого карася, и ловят такие хитрые психологи, как Гагосян и Саачи. При этом пострадать могут не только новоявленные коллекционеры, но и сами дутые художники. Саачи одно время коллекционировал Джулиана Шнабеля, и что-то там у них разладилось, и Гагосян просто продал его работы. Как только западный художественный мир узнал об этом, карьера этого художника пошла прахом. Поэтому арт-дилер может художника открыть, а может и закрыть. Все зависит от настроения или от сексуальных аспектов, потому что много галерейщиков и художников гомосексуалистов. Тут еще имеет место и постельный вопрос.

Художественная мафия разводит только русских миллионеров?

Русские миллионеры не так много покупают, посмотрите каталоги Christie’s и Sotheby’s – десятки жутких художеств продаются за сотни миллионов. Покупают в основном западные коллекционеры. Представьте себе мультимиллионера из Техаса, он сделал свои деньги на бычьей печенке, а ему хочется тоже быть уважаемым человеком. Ему в глубине души плевать на эти картины. Он когда их покупает, в ужасе думает: «Что я делаю?!» 90 % покупателей никогда эти вещи даже не ввозят в свои дома. Есть специальные склады для хранения произведений искусств. А через 2–3 года все это снова выставляется на продажу, и человек, ничего не делая, зарабатывает на разнице несколько миллионов долларов. Ни один банк не дает таких процентов!

То есть заработать можно, но это своего рода финансовая пирамида?

Самое главное, с нее надо вовремя соскочить, пока эта пирамида не рухнет. Умные художники прекрасно понимают, что если сегодня вам надули цены, то в любой момент, например когда в мире кризис, они могут рухнуть, и это принесет вам только беду. Как эти завышенные цены принесли беду таким художникам, как Дэвид Салле, Джулиан Шнабель. В 80-е годы было такое течение «трансавангард», голод по картинам, и стали эти ребята писать громадные полотна, писали приблизительно так же безобразно, как Дубосарский и Виноградов, только еще похлеще. И через 10 лет все это течение рухнуло. Недавно было интервью с Салле, ему нечего было сказать, кроме как извиниться перед теми коллекционерами, которые на них потерпели фиаско. Такая игра в искусстве очень распространенная, серьезная, потому что речь идет о миллиардном бизнесе. В этот бизнес хотят попасть и наши вылупившиеся из яйца мультимиллиардеры… Не только из-за того, что Лондон никого не выдает, но и из-за того, что Лондон – это своеобразный снобизм. Франция всегда более демократична, Германия – буржуазна, а в Англии всегда есть свой снобизм. Всегда человек, приезжающий в Англию, чувствует себя закомплексованным, особенно новые русские. Поэтому они организовывают свои клубы, они пытаются войти в английское общество, и иногда им предоставляется такой очень дорогой билет… Наши олигархи пытались раздуть и русский рынок. Помните, картина Оскара Рабина продалась за миллион… Конечно, по сравнению с западными художниками это вообще копейки. И как только начался кризис, это все умолкло, т.е. русский рынок лопнул сразу. Потому что всего несколько богатых русских коллекционеров покупают современное русское искусство.

А почему Запад не покупает русских художников?

Они недостаточно «раскручены». А раскручивать их не хочет никто: ни богатые, ни государство. Ведь для того, чтобы создать имидж, что художник растет и цены на его картины поднимаются, – над этим работают целые корпорации, перекупают друг у друга, создают искусственный ажиотаж. Галереи сами покупают эти картины, потом они говорят: «В прошлом году картина этого художника была продана за 500 тыс., а в этом году она стоит уже 1,5 млн., и дальше по нарастающей». Человек вкладывает деньги, и вот так идет эта знаменитая игра до тех пор, пока пирамида не обрушится.

А что же «не дутые» художники? Нервно курят в сторонке?

Много людей от изобразительного искусства в полной растерянности – слишком неожиданно обрушилась на нас эта немыслимая свобода и сломала существующий порядок вещей. Ведь что было раньше: были нонконформисты, которых в Союзе подвергали гонениям, но ими интересовался Запад, дипломаты скупали их картины. И были официальные художники, которые боролись с так называемыми диссидентами от искусства и упивались благами, которые им давало государство. Их обеспечивали мастерскими, поездками за границу, по-моему, 40 рублей выделялось только на обнаженную натуру, ежегодные закупки, творческие командировки. И вдруг в один момент диссиденты перестали быть диссидентами, а официальные художники перестали быть нужны государству. И те и другие оказались в растерянности. И началась борьба за выживание. Я, например, дружил со скульптором Кербелем, это человек, который был миллионером в советское время, это талантливейший серьезный мастер. Когда я к нему приходил, он говорил: «Миша, мне стыдно признаться. Я читаю каждый день газеты, некрологи – кого из братвы подстрелили. И когда я вижу, что кого-то подстрелили, я радуюсь, потому что я знаю, что братва придет ко мне и закажет надгробный памятник». И этим занимался перед смертью один из крупнейших скульпторов России. Вот в каком положении находились официальные художники. Началась борьба, «старики» сразу были затоптаны, а из молодежи создалась группа новых искусствоведов, типа Кати Дёготь, которые стали очень продвинутые, очень западные. Как говорится, провинциальный католик – он всегда набожнее папы. Эти малообразованные и мало понимающие, что происходит в современном искусстве, стали задавать тон. И мгновенно такие художники, как я, Оскар Рабин, все те люди, которые всю жизнь служили искусству, стали очень немодными. В моде теперь Кулик, который то гавкает, то писает в углу.
Трейси Эмин, которая выиграла крупнейший, самый престижный приз Англии, приз Тернера, – она просто выставила грязный матрас, заваленный презервативами, грязными трусами, и со списком любовников, с которыми она занималась сексом. Критики так были ошеломлены этим «шедевром», что она выиграла первый приз! Сегодня ни один современный музей не может обойтись без этого грязного матраса.
Дерьмо Пьеро Мандзони продается на аукционах по 200 тыс. фунтов. А еще говорят, что дерьмо ничего не стоит. Стоит!

Вы лично как-то стараетесь повлиять на ситуацию с восприятием современного искусства?

Я занимаюсь студентами, сделал 22 программы на телеканале «Культура», издаю книги по серьезному современному искусству, и просто стараюсь выступать и говорить, что пора опомниться. Если не хотите признать, что существует мир серьезного современного искусства, то хотя бы не топчите людей, которые им занимаются. А на сегодняшний день эстетика просто изгоняется, как и мораль, красота, – я не имею в виду пошлую красоту, которой занимаются Шилов или г-н Глазунов. От них веет какой-то кладбищенской вонью, они стали какими-то сюрреалистическими.

Талантливому художнику сейчас трудно пробиться без денег, спонсоров?

Очень сложно. Например, есть замечательный архитектор Чернышев, сын знаменитого архитектора, авангардиста, фантаста Чернышева. Он (сын) сделал уникальное здание (помог ему в этом Лужков) для детей, больных аутизмом. Это здание с искривленными стенами, окнами, которые помогают аутистам овладеть этим пространством, потому что аутисты – очень замкнутые дети. Но я знаю, что этот архитектор получает очень мало. В тот момент, когда Москва просто зарастает какими-то немыслимыми гранитными тортами. Это уродливо до слез. А талантливые архитекторы – они, конечно, опять отодвинуты. То же самое происходит и с художниками. Есть галерея «Марс», не знаю, сейчас она существует или нет, там работает Евгений Шульженко, он работает много с чикагской галереей Майей Польски. Замечательный художник, который показывает другую Россию. Но вы много слышали о нем? Нет! А у него изданы великолепные каталоги. Знаете, раньше мы боролись с Союзом художников, но сегодня на смену ему пришли так называемые «представители новейших течений», которые стали очень большими снобами. Они чужих не пускают, они устраивают при помощи своих кураторов выставки только для своих. А серьезные художники сегодня просто задвинуты в угол. Оказалось, что эта банда новоиспеченная стала куда страшнее для серьезных художников, нежели грозный Союз художников. Абсурд! Но довольно любопытно.

Огорчаться или радоваться богатым родителям, если их чадо вдруг решит стать художником?

Обычно в детях, которые вырастают в обеспеченных семьях, нарушено стремление что-то познать, что-то открыть, потому что им все легко дается. Хочешь дорогую книгу – тебе ее купят, хочешь в Оксфорд – пожалуйста. Нет желания за что-то бороться. Поэтому часто дети богатых родителей садятся на наркотики. Конечно, чаще всего это происходит с беднотой и с детьми богатых. Бедные дети – от отчаяния, богатые – от пресыщенности и избалованности. Самое лучшее – это золотая середина. Когда ребенок не избалован, но и не живет в ужасных условиях, в которых живет половина детей России. Мне в свое время приходилось много работать на самых черных и грязных работах, но это помогало выковать свой характер. Я мог быть продажным художником, но я предпочел работать 5 лет на улице, убирать мусор на городской помойке, а ночью писать картины, для того, чтобы быть свободным.

Публикация с сайта: millionaire.ru

Загадка древнейшей истории: 

Почему египтяне изображали всех людей плоскими и только в профиль

Древние египтяне хорошо известны их феноменальными архитектурными постройками, произведениями искусства и большим пантеоном экзотических богов. Вера в загробную жизнь и все аспекты ее проявления и сделали египтян знаменитыми на весь мир. При просмотре множества художественных произведений тех лет можно заметить, что все люди и боги изображены в профиль (сбоку). На рисунках не применяется перспектива, нет «глубины» изображения. Для чего же применялся такой стиль, читайте в данном обзоре.

Писать реалистичные картины в Египте умели. Самый известный пример античной живописи – фаюмские портреты I-III веков н.э. Многие историки и искусствоведы ломают копья над вопросами искусственного примитивизма египетской живописи. И у них есть интересные объяснения.

1. В то время еще не изобрели «трехмерность» изображения

Все рисунки Древнего Египта сделаны «плоскими», но с мелкими деталями. Возможно, большинство художников было просто не способно к созданию сложных композиций с людьми в реалистичных позах. Поэтому приняли типовые каноны: головы и ноги всех людей и богов изображены в профиль. Плечи, наоборот, развернуты прямо. Руки сидящих всегда покоятся на коленях.

2. Умышленное упрощение как социальный аспект

Египтяне изобрели отличный способ избавиться от третьего измерения и использовали это для представления социальной роли изображенных людей. Как представляли в те годы, на картине не могли быть рядом изображены фараон, бог и простой человек, ведь это возвеличивало последнего. Поэтому все фигуры делали разного размера: фараоны — самые крупные, сановники – меньше, рабочие и рабы – самые мелкие. Но тогда, реалистично рисуя двух человек разного статуса рядом, один из них выглядел бы ребенком. Лучше уж изображать людей схематично.

3. Религиозная версия

Согласно еще одной версии, египтяне умышленно делали рисунки людей двухмерными, «плоскими». Особенно это заметно на картинах, где присутствуют животные. Их древние мастера красочно выписывали, придавая реалистичные и элегантные позы.

Древние египтяне с их поклонением загробной жизни считали, что душа человека может путешествовать. А поскольку рисунки в основном выполнялись в гробницах и усыпальницах, то они могли бы «оживить» трехмерное живописное изображение умершего человека. Во избежание этого фигуры людей рисовали плоскими и в профиль. Так человеческое лицо более выразительно и его проще изобразить похожим.

Дабы не оживить рисунок, иудеи вообще не изображают людей. Хотя известный российский художник-авангардист Марк Шагал рисовал фигуры с искаженными пропорциями и в цветах, словно во сне.

Источник: www.kulturologia.ru

АНГЕЛЫ и КРЫЛЬЯ

Небесные создания, приносящие радость и надежду, могут предстать в совершенно неожиданных образах на картинах художников. Ключи к их таинственному бытию скрывается в сказках, мифах,легендах, Библии, астрологии и даже восточной философии. Вашему вниманию классические образы крылатых и самые смелые эксперименты художников в нашем путешествии в небесные сферы. От Дюрера и Берн-Джонса до Кристенсена и Васнецова — полетели!

Вечерние ангелы
Джеймс Кристенсен
XX век

Вера, Надежда и Любовь
Джеймс Кристенсен
XX век

Ангел с эполетами
Джеймс Кристенсен
XX век

Кристенсен написал картину «Ангелы моего городка» под впечатлением от средневековой архитектуры итальянского города Умбрия.

«Этой картиной я хотел выразить благодарность за ощущение того, что мы не одиноки. Мы должны помнить, что ангелы действительно присматривают за нами. Даже если вы живете в Нью-Йорке, у вас есть свой городок. Я знаю всех одиноких людей в моем квартале. Мы помогаем друг другу, и мы — ангелы друг для друга. Мы ангелы своего города».

Ангелы моего городка
Джеймс Кристенсен
XX век

Воспоминания
Майкл Паркес

«Для человечества действует вечный закон — очищение своей кармы на протяжении своей жизни. И все же,Ангел, который останавливает время,в любой момент может подарить нам свободу. Свободу не от смерти, потому что смерть — это часть в цепи времени,но свободу от нас самих. У большинства из нас есть по крайней мере один момент в жизни, когда время может остановиться и все будет видно с предельной ясностью». Майкл Паркес

Эксперимент ангела
Майкл Паркес

Диана, богиня охоты, — воплощение женской силы, благородства и красоты. Ее легенда, по мнению Паркеса, старше древнегреческих мифов и ведических писаний. На что она охотится в его картине? Диана — сама энергия звезд и ее «добыча» — темнота ночи.

Во всех картинах Паркеса идет вечная борьба добра и зла, даже если не всегда это заметно. Восточная и Западная мудрость гласит о победе красоты и гармонии, как и во всех крылатых женских образах Паркеса.

Паркес — художник и скульптор жанра магического реализма, и его картины с чувственными ангелами — это мир, где нет ни настоящего, ни будущего, а существует лишь вечный круг жизни: рождение, смерть и опять возрождение.

Магия весны
Майкл Паркес

Маленький генерал

Час Богов

Обещания

Красный цветок

Летние воспоминания

Ночной полет

Последний лев

Золотая саламандра

В начале вечности конец

Картина «Ангел-хранитель» английского символиста Джорджа Уоттса — результат его увлечений астрологией, спиритизмом, изучением тайн Вселенной и дружбы с астрологом сэром Джоном Гершелем. Несколько лет спустя после написания картины, автор в каталоге к выставке назовет свою картину «Всепроникающий Дух Вселенной».

По воспоминаниям его жены, замысел и сама идея картины возникла у художника, когда он наблюдал за игрой света на стекле-капельке роскошной люстры в его студии на Мальте. Появление хрустального шара со следами света от падающих звезд — начало создания картины. Всепроникающий взгляд Духа дает ему силу пророчества, знание будущего и открывает секреты Вселенной.

Ангел-хранитель (Всепроникающий Дух Вселенной)
Джордж Фредерик Уоттс
1890, 112×213.5 см

Не забывайте небо
Луи Жанмо

Ангел и мать
Луи Жанмо

Гесиод и Муза
Гюстав Моро
1891, 59×34.5 см

Гесиод и муза

Вдохновение

Три ангела

Святой Себастьян и ангел

Царь Давид

Иаков и ангел

Рыцарь Святого Грааля
Эдвард Коли Бёрн-Джонс

Земное
Эвелин де Морган

Рассвет (Торжество Авроры)
Эвелин де Морган
1886, 170×120 см

Поэма о старом моряке. Сюжет 21
Поль Гюстав Доре
XIX век

Продолжаем мистические приключения. В 1904 году Михаил Врубель пишет «Шестикрылого Серафима» по мотивам стихотворения Пушкина «Пророк».

«Духовной жаждою томим,

В пустыне мрачной я влачился,

И шестикрылый серафим

На перепутье мне явился.

Перстами легкими как сон

Моих зениц коснулся он».

Шестикрылый Серафим
Михаил Александрович Врубель
1904, 155×131 см

Шестикрылый серафим
Михаил Александрович Врубель

Падение мятежных ангелов
Питер Брейгель Старший
1562, 117×162 см

Триптих «Радость праведных о Господе. Преддверие рая». Эскиз росписи Владимирского собора в Киеве. Фрагмент (центральная часть)
Виктор Михайлович Васнецов
1896

Сюжет №8
Нино Чакветадзе

Фантазия художников выходит за пределы традиционного взгляда на крылатых духов — видимо, сами музы-ангелы покровительствуют им и вдохновляют на новые поиски.

И какие бы образы они не принимали у художников, все мы свято верим в христианские традиции — небесные создания посылаются на землю принести Любовь, Надежду и Милосердие.

Ну, а если кому-то многовато сладкого — вот вам шедевральный ангелочек с фирменной подписью «AD» — Альбрехт Дюрер. Это эскиз, так что этому малышу простительно выглядеть,скорее, не расстроенным, а слегка сердитым.

Плачущий ангелочек (эскиз)
Альбрехт Дюрер
1521.

Конечно, мы не можем облететь даже мысленно всех ангелов, которых изображали художники. Что ж, запаситесь ангельским терпением, и осваивайте галереи художников в Артхиве, читая новости и публикации о картинах с крылатыми созданиями. Светлого вам настроения!

 «Милая, дарованная Богом, – когда целыми днями лежишь в постели, когда все давно перечитано, являются толпы воспоминаний и уставляются на тебя. Я думаю, нас подарили друг другу, и в самое подходящее время. Мы до боли заждались друг друга…»  

Марлен Дитрих и Эрих Мария Ремарк | Фото: liveinternet.ru

Их роман был непродолжительным, но ярким, они оба не были ни первыми, ни последними, ни единственными друг у друга. Писатель мучился из-за непостоянства и холодности актрисы, но не переставал ею восхищаться. Марлен Дитрих вдохновила Ремарка на написание «Триумфальной арки» и стала прототипом главной героини романа. Эта любовь воплотилась и в другом романе – в письмах. Будущая жена писателя Полетт Годдар уничтожила письма актрисы, но письма Ремарка сохранились. Недавно они были опубликованы и признаны «самым восхитительным любовным романом ХХ столетия».

 

Актриса и писатель | Фото: irl.by

 

 

Марлен Дитрих и Эрих Мария Ремарк | Фото: subscribe.ru

В предисловии к изданию писем Ремарка к Дитрих В. Фульд пишет: «В итоге перед нами последняя великая история любви в XX веке, грандиозная иллюзия, полная лжи и самообмана, но освещенная изнутри бенгальским огнем образов Ремарка, который никогда не был писателем в большей мере, нежели чем в этих интимных письмах к своей холодной возлюбленной. Возникнув из глубины экзистенциального одиночества, эти письма были адресованы женщине, существовавшей исключительно в страстных желаниях Ремарка».

 

Марлен Дитрих и Эрих Мария Ремарк | Фото: radikal.ru

Эти письма действительно можно считать литературным шедевром: «Милая! Ангел западного окна! Мечта светлая! Я никогда больше не буду ругаться, когда ты убежишь от больного ишиасом старика. Золотая моя, с узенькими висками и глазами цвета морской волны, вдобавок я обещаю тебе никогда не ругаться из-за проклятого шелкового одеяла, за которое цепляются пальцы ног… Малышка с катка! Добытчица денег! Тепло ли ты одеваешься, выходя из дома? Опекает ли кто-нибудь тебя? Не снимай никогда своих теплых варежек, а не то отморозишь пальцы! Продувай время от времени варежки своим дыханием! Мы еще сходим с тобой в самую большую кондитерскую, и я закажу тебе какао со взбитыми сливками и огромное блюдо с яблочным пирогом. Тем самым, где поверху такой мудреный крест. И голову мавра. А взбитых сливок закажем, сколько пожелаешь» (Порто-Ронко, 25.11 – 07.12.1937).

 

Актриса и писатель | Фото: dailyculture.ru

 

 

Марлен Дитрих | Фото: subscribe.ru

«Этот город восстает против меня, швыряет меня туда-сюда, улицы болтают о тебе, и дома, и «Колизей», и «Максим» – сам я нигде не был, но они приходили ко мне, в мою комнату, они стоят передо мной и спрашивают, спрашивают… Такого никогда не было. Я погиб. Меня погубила черная мерцающая подземная река, погубил звук скрипки над крышами домов, погубил серебристый воздух декабря, погубила тоска серого неба, ах, я погиб из-за тебя, сладчайшее сердце, мечта несравненной голубизны, свечение растекающегося над всеми лесами и долами чувства… Сердце сердца моего, так не было никогда. Беспокойное счастье, сплетение лиан, крики из жарких, лихорадочных ночей… Разве я когда-то испытывал это: нежность?» (Париж, после 07.12.1937).

 

Эрих Мария Ремарк и Марлен Дитрих | Фото: radikal.ru

 

 

Марлен Дитрих и Эрих Мария Ремарк | Фото: cityspb.ru

«Милая, дарованная Богом, – когда целыми днями лежишь в постели, когда все давно перечитано, являются толпы воспоминаний и уставляются на тебя. Я думаю, нас подарили друг другу, и в самое подходящее время. Мы до боли заждались друг друга. У нас было слишком много прошлого и совершенно никакого будущего. Да мы и не хотели его. Надеялись на него, наверное, иногда, может быть – ночами, когда жизнь истаивает росой и уносит тебя по ту сторону реальности, к непознанным морям забытых сновидений» (Париж, 23.12.1937).

 

Актриса и писатель | Фото: em-remarque.ru

 

 

Марлен Дитрих и Эрих Мария Ремарк, 1939 | Фото: radikal.ru и subscribe.ru

«Я хочу быть с тобой рядом, и больше мне ничего не надо. Ты должна знать, что я есть. И не должна ничего бояться. Ты должна чувствовать, что я всегда буду с тобой и что в твоей жизни никогда больше не будет одиночества. Я не больно-то умею утешать; тут я неловок в обращении со словами. Но я способен на нечто другое, на что прежде не был способен: я способен на любовь, – и в то мгновение, когда я сейчас написал это, мне стало ужасно стыдно, потому что это прозвучало очень высокопарно, а этого не должно быть. Но я оставлю все, как есть, потому что это благодаря тебе я стал способен на это» (Порто-Ронко, 22.12.1938).

 

Марлен Дитрих | Фото: irl.by

 

 

Актриса и писатель | Фото: irl.by

Близкие отношения связывали актрису со многими известными людьми того времени.
Источник: http://www.kulturologia.ru/blogs/220616/30130/

Праздник 21 ноября

Мало кто знает, что молясь Архангелу Михаилу мы можем избавить наших близких и родных от геенны огненной. Считается, что Архангел Михаил под свои праздники ночью находится на берегу долины огненной и опускает правое крыло в геенну огненную, которая в это время гаснет. И молясь в ночь под праздник Архангела Михаила 19 сентября и 21 ноября, мы просим за наших усопших о спасении и даровании жизни вечной.

Господь наименовал ему чины небесных сил безплотных и позволяет ему ежегодно 19 сентября и 21 ноября в сопровождении Ангелов и святых приближаться к душам, осужденным на мучения.

]]> https://ya-gallery.com/21-noyabrya-prazdnik-arxangela-mixaila/feed/ 0 https://ya-gallery.com/kazanskaya-ikona-bozhiej-materi-4-noyabrya-2016-goda/ https://ya-gallery.com/kazanskaya-ikona-bozhiej-materi-4-noyabrya-2016-goda/#respond Fri, 04 Nov 2016 08:11:45 +0000 http://ya-gallery.com/?p=3259  Только 4 НОЯБРЯ. Не пропустите и будьте внимательны

Одной из важнейших икон для любого православного христианина является Казанская Божия Матерь. В 2016 году празднование иконы будет проходить в общепринятых православных традициях. Главное свойство иконы — это защита русской земли от захватчиков и порабощения, а значит, 4 ноября во всех церквях будут молиться о мире.

Фигура Яёи Кусамы появится в Музее восковых фигур Мадам Тюссо в Гонконге

Тематическую зону оформила сама художница.

Ранее стало известно, что научные сотрудники Третьяковской галереи почти расшифровали надпись на картине, которую, по их мнению, сделал сам Малевич. Как они считают, там написана фраза «Битва негров в темной пещере», отсылающая к картине французского художника Альфонса Алле 1882 года, представляющей собой черный прямоугольник.

Кроме того, исследователи проанализировали нижележащий слой изображения. О том, что под знаменитой картиной есть некая цветная композиция, было известно давно, однако в Третьяковской галерее установили, что предыдущих работ на самом деле две.

Как сообщила каналу «Культура» одна из авторов исследования Екатерина Воронина, изначально Малевич нарисовал кубофутуристическую композицию, а поверх нее — протосупрематическую. Ее цвета можно видеть в кракелюрах, то есть трещинах в краске.

По словам директора Третьяковской галереи Зельфиры Трегуловой, вскоре поступит в продажу изданная музеем книга, посвященная «Черному квадрату» и исследованиям о нем.

«Черный квадрат» был написан 100 лет назад — в 1915 году — и впервые показан на инициированной художником Иваном Пуни выставке «0,10», где супрематизм был представлен как новое направление в искусстве.

О значении новых открытий с Андреем Сарабьяновым беседовала Ольга Слободчикова.

«Новые страницы»

Би-би-си: Как стоит воспринимать то, что на холсте обнаружили надпись, предположительно отсылающую к картине Альфонса Алле?

Андрей Сарабьянов: Я думаю, что это просто еще какие-то новые данные к вопросу о том, как возникла данная картина. Это нисколько, на мой взгляд, не меняет глобального отношения к этому произведению и не уменьшает его значения для русского авангарда и вообще мирового современного искусства. Наоборот, это приоткрывает истоки, дает новое понимание того, как возникла эта картина. Вот так я могу это сконцентрированно объяснить.

Image copyrightRIA Novosti

Би-би-си: Могла ли эта надпись быть каким-то диалогом Малевича с Альфонсом Алле или, может быть, своего рода шуткой?

А.С.: Конечно, произведение самого Альфонса Алле — это некая шутка. Что касается этой надписи, то я вообще не уверен, что Малевич непосредственно видел и знал эту картину Альфонса Алле. Может быть, он услышал о ней от кого-то из своих друзей, тем более есть некоторые косвенные данные о том, что о ней знал Ларионов в 1910 году. Малевич в те годы, в частности в 10-м году, общался с Ларионовым и, может быть, мог что-то о ней услышать. Вряд ли он мог ее увидеть, потому что я не уверен, что она тогда вообще была опубликована, во всяком случае, я о таких публикациях не знаю ничего. Может быть, во Франции она была напечатана в какой-то газете или в журнале, но это же были 80-е годы XIX века, и вряд ли она была воспроизведена где-нибудь в приличном качестве. Во всяком случае, в русской прессе она не публиковалась. Поэтому, может быть, Малевич слышал о ней от Ларионова, но не видел ее. То, что она возникла как некий ответ этому французскому художнику, — может быть, но тут пока недостаточно сведений. В любом случае, это нисколько не умаляет ее как великое произведение — наоборот, открывает какие-то новые страницы.

Би-би-си: Как можно объяснить наличие изображений под верхним слоем «Черного квадрата»? Насколько я понимаю, на протяжении истории художники рисовали одну картину поверх другой, когда не было нового холста, например.

А.С.: Конечно, это далеко не единичный случай. Это было не только в практике Малевича и вообще авангардистов, но в те годы особенно часто так делали. Это связано с тем, что просто иногда не было возможности купить холст, краску. Или же холст мог быть, но у художника возникали идеи, которые ему хотелось воплотить в данный момент. Тогда художник брал ту картину, которая ему в наименьшей степени была дорога или казалась неудачной.

Возможно, у Малевича не было чистого холста. Или можно просто представить себе обстоятельства, в которых писалась эта картина: если он делал ее под каким-то впечатлением или [руководствовался] непосредственным желанием ее в данный момент написать, он хватал все что угодно, что было под рукой. Тем более Малевич вообще довольно тщательно относился к написанию картин, и если бы он взял новый холст, его сначала надо было бы загрунтовать, дождаться, когда он высохнет — это тоже довольно долгая история. А тут он имел уже высохший холст, на котором был грунт со слоем краски, и по нему можно было сразу писать новую композицию. Это был хороший холст с двумя слоями краски, и это гарантировало ему сохранность, долговечность. Но с черной краской довольно часто так бывает, что она покрывается кракелюрами, и под ней вылезли эти цветные изображения.

«Малевич нуждается в разъяснениях»

Би-би-си: Почему, по вашему мнению, изображения под верхним слоем картины проанализировали только сейчас?

А.С.: Этот вопрос, я думаю, к Третьяковской галерее. Возможно, в связи со 100-летием этой картины появился интерес, и сделали такое комплексное исследование этой работы. Вообще то, что под «Черным квадратом» была композиция, было всем известно давно, потому что она видна даже невооруженным глазом. Когда вы подходите к картине, вы видите какие-то разноцветные фоны, просвечивающие через кракелюры, и это говорит о том, что там есть некая композиция. Но то, что их там две, — это только больший интерес вызывает. Столетие — это, несомненно, серьезный этап, и о «квадрате», и о самом Малевиче сейчас очень много говорят — гораздо больше, чем раньше.

Image copyrightAFP

Би-би-си: При этом можно довольно часто слышать заявления, в том числе от весьма авторитетных в обществе людей, которые отрицаютзначение «Черного квадрата» как некого достижения в искусстве. Например, патриарх Кирилл говорил, что «черный и страшный квадрат — подлинное отражение того, что в душе этого Малевича было», что эта картина — свидетельство деградации общества, все равно что сравнивать храм с пятиэтажкой. Не становится ли такая позиция более популярной?

А.С.: Я не думаю, что негативного отношения к Малевичу стало больше. Я думаю, его столько же, сколько и было. Малевич и «Черный квадрат» в частности – это такой камень преткновения для многих людей, которые не профессионалы в области искусства, да и для самих художников тоже: для них это, кстати, действительно даже больший камень преткновения. Чтобы понять суть этого явления, надо понять теорию, которую создал и развивал Малевич. Это вообще качество нового искусства, искусства XX века, что необходимо иметь какой-то эстетический опыт, знание, чтобы понимать его. Это не то, что было раньше: какой-нибудь прекрасный пейзжаж XIX века или жанровая сцена, которая и так понятна любому зрителю. Малевич любому зрителю не понятен, он требует разъяснений. Поэтому, чем больше будет разъяснений, тем больше будет людей, его понимающих. Чем меньше разъяснений – тем больше людей, которые так говорят: мол, я и сам могу так нарисовать.

Би-би-си: Те, кто изучал искусство только на школьном уровне, вероятно, не получают достаточного запаса знаний, контекста, чтобы понимать авангард.

А.С.: На школьном уровне — нет, конечно. Это обидно, но это так. Требуется объяснение в том возрасте, в котором люди уже что-то соображают, то есть в последних классах можно было бы вполне, мне кажется, объяснять современное искусство. Но пока в России этого нет, к сожалению.

Би-би-си: В Третьяковской галерее на Крымском валу, где находится картина, как правило, бывает меньше посетителей, чем в историческом здании, где находятся произведения художников предыдущих веков.Понятно, что большой интерес к русскому авангарду всегда исходил с Запада, но меняется ли, на ваш взгляд, отношение к искусству XX века у россиян?

А.С.: Несомненно, меняется. Особенно сейчас, я думаю, количество посетителей сильно увеличится. Третьяковка правильно сделала, что обнародовала все сведения о «квадрате», тем самым она привлечет новые потоки зрителей. Ну а во-вторых, то, что на Крымском валу мало посетителей — это связано не с тем, что русское искусство XX века не популярно. Расположение этого здания, к сожалению, таково, что к нему надо специально ехать. К старой Третьяковке можно подойти, просто гуляя по старой Москве, а тут какое-то место прямо заколдованное, надо целенаправленно ехать с задачей посмотреть русскую живопись XX века. Сейчас Третьяковка принимает шаги, чтобы это место стало более популярным (Зельфира Трегулова после вступления на пост директора галереи заявила, что развитие здания на Крымском валу — ее приоритет — прим. Би-би-си). Я надеюсь, так и будет.

ВВС